Aquarelle, Jeune africain par Gustavo SIMONI
4.200,00 €
Gustavo Simoni (1846-1926)
Peintre, aquarelliste et pédagogue, il consacre l’essentiel de sa carrière à représenter les paysages, les architectures et les scènes de la vie quotidienne d’Afrique du Nord, tout en développant une vision profondément personnelle de l’Orient, où l’exactitude de l’observation se conjugue à une remarquable sensibilité picturale.
Il intègre en 1861 la prestigieuse Académie de San Luca, où il suit l'enseignement de Francesco Podesti et Dario Querci.
Mais Simoni s'intéresse rapidement aux évolutions de la peinture moderne et admire particulièrement l'œuvre de Mariano Fortuny, dont la touche lumineuse, la virtuosité technique et le goût pour les sujets orientalistes exerceront une influence décisive sur son art.
En 1875, il compte parmi les membres fondateurs de l'Association des Aquarellistes Romains, expose régulièrement et y expose régulièrement.
À partir de 1877, Gustavo Simoni entreprend une série de voyages qui vont transformer durablement son œuvre.
Il parcourt la France, l'Espagne, puis surtout l'Afrique du Nord, séjournant longuement en Algérie, en Tunisie et au Maroc.
C'est en Algérie qu'il trouve son véritable terrain d'inspiration. Il s'installe pendant plusieurs années dans la vieille ville de Tlemcen
Il participe aux Salons de Paris, où il expose puis son immense composition Alexandre à Persépolis en 1889 qui lui vaut une médaille d'or au Salon de Paris,
Dans cette aquarelle, Gustavo Simoni allie une précision remarquable du dessin à une grande liberté d'exécution
Le drapé bleu, traité par de subtils lavis transparents, restitue avec une étonnante légèreté les plis et la lumière.
L'ombre portée, véritable élément graphique, renforce la modernité de la composition, où la sobriété du décor met en valeur toute la force expressive de la figure.
Informations complémentaires
| Dimensions | 62 × 75 cm |
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Une aquarelle, Saint-Pierre de Rome, fin 18e début 19e siècle
2.500,00 €
Cette aquarelle de la fin du XVIIIᵉ siècle (ou tout début du XIXᵉ siècle) représente une vue de la place Saint-Pierre de Rome, avec la basilique Saint-Pierre au centre, la célèbre colonnade du Bernin et l’obélisque égyptien occupant l’axe de la composition.
Il s’agit d’une veduta, un genre très recherché par les voyageurs du Grand Tour, destiné à immortaliser les grands monuments italiens.
Malgré cette exactitude topographique, l’œuvre conserve une grande délicatesse.
Au premier plan, de minuscules personnages animent la place : promeneurs, ecclésiastiques, familles, cavaliers et élégants attelages.
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| Dimensions | 10 × 7,5 cm |
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Huile sur toile ,Chamelier en bord de fleuve par Longsden Long
5.800,00 €
Cette toile orientaliste est signé L Long connu sous le nom de Lieutenant Long,
Certains historiens pensent qu’il s’agit Edwin Longsden Long (1829?1891), est un peintre britannique
Membre de la Royal Academy, il est surtout connu pour ses portraits, ses scènes bibliques ainsi que ses œuvres orientalistes inspirées de ses voyages en Espagne, Égypte et Syrie.
Son style est réaliste et détaillé, capturant la vie quotidienne et l’architecture orientale avec une touche académique.
Aujourd’hui, ses œuvres continuent d’être vendues aux enchères et témoignent de l’engouement victorien pour l’Orient exotique.
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| Dimensions | 90 × 66,5 cm |
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Huile sur toile, Arbre par Gustave HERVIGO
2.800,00 €
Gustave Hervigo 1896-1993
Peintre français de la Marine, explorateur et infatigable observateur du monde, il développe une œuvre profondément personnelle, nourrie par ses rencontres, ses voyages et son goût pour les paysages comme pour les scènes de vie.
Issu d’un milieu artisanal, il grandit auprès de son père bourrelier et travaille très jeune dans cet univers du cuir et de la maroquinerie.
Bien qu’il ne suive pas de formation académique traditionnelle, il bénéficie des conseils du peintre rambolitain Henri Laigneau, qui l’encourage dans ses recherches artistique.
Après la Première Guerre mondiale, durant laquelle il poursuit son activité artistique tout en travaillant dans la maroquinerie de luxe, il s’installe à Paris.
Sa véritable reconnaissance débute en 1925, lorsqu’il présente une œuvre au Salon des Indépendants. Puis il devient Sociétaire de la Société Nationale des Beaux-Arts en 1940, avant d’intégrer son jury quelques années plus tard.
L’année 1948 représente un tournant décisif dans sa carrière. Il obtient la Bourse de voyage de l’Afrique-Équatoriale française, attribuée par la Société des Beaux-Arts d’Outre-Mer.
Entre 1949 et 1981, il effectue pas moins de dix-sept grands voyages à travers le monde.
E1862, il reçoit le prestigieux Prix Puvis-de-Chavannes de la Société Nationale des Beaux-Arts.
L’année suivante, en 1963, il est nommé Peintre Officiel de la Marine.
En 1965, il reçoit également le Prix de dessin d’Île-de-France..
Son parcours est enfin consacré par son élection à l’Académie des Sciences d’Outre-Mer en 1976.
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| Dimensions | 50 × 60 cm |
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Une huile sur toile, Le retoud d’Ulysse à Ithaque, 19eme
3.800,00 €
Le tableau représente le moment emblématique du retour d’Ulysse à Ithaque, tel que raconté dans l’Odyssée d’Homère.
Après dix ans de guerre à Troie et autant d’années d’errances et d’épreuves à travers la Méditerranée, le héros retrouve enfin sa patrie et sa famille.
Le tableau capture l’instant où Ulysse aperçoit enfin Ithaque, guidé par une nymphe qui lui indique le chemin vers sa patrie. La scène traduit à la fois l’émerveillement et l’espoir du héros après de longues années d’errance.
La composition déploie une harmonie de couleurs lumineuses et de contrastes subtils : les verts éclatants des arbres et les tons bleus et clairs de la mer et du ciel soulignent la fraîcheur et la beauté méditerranéenne,
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| Dimensions | 102 × 81 cm |
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Au premier plan, un tissu rouge aux bordures géométriques structure la composition. Au centre, la lampe verte à abat-jour facetté devient l’axe vertical du tableau. Sa forme anguleuse dialogue avec les volumes simplifiés des objets posés sur la table. Derrière, les fleurs du papier peint prolongent le décor et créent une confusion volontaire entre espace réel et espace ornemental.
Les formes sont volontairement simplifiées, presque découpées, avec un dessin synthétique rappelant certains artistes influencés par les Nabis, le post-cubisme décoratif et certains courants d’Europe centrale des années trente. On retrouve aussi quelque chose des recherches décoratives de l’Art Déco.
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Une huile sur carton, Nature-morte à la lampe vers 1930
2.000,00 €
Cette nature morte se situe à la frontière entre le décoratif et le modernisme des années 1925-1935.
Au premier plan, un tissu rouge aux bordures géométriques structure la composition.
Au centre, la lampe verte à abat-jour facetté devient l’axe vertical du tableau. Sa forme anguleuse dialogue avec les volumes simplifiés des objets posés sur la table. Derrière, les fleurs du papier peint prolongent le décor et créent une confusion volontaire entre espace réel et espace ornemental.
Les formes sont volontairement simplifiées, presque découpées, avec un dessin synthétique rappelant certains artistes influencés par les Nabis, le post-cubisme décoratif et certains courants d’Europe centrale des années trente. On retrouve aussi quelque chose des recherches décoratives de l’Art Déco.
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| Dimensions | 55 × 55 cm |
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Une huile sur toile, Paysage et Nature-Morte par Pierre THEVENET
4.800,00 €
Pierre Thévenet 1870 -1937
est un peintre belge post-impressionniste, issu d’une famille d’artistes, son père était baryton, sa sœur cantatrice et son frère cadet le peintre Louis Thévenet.
Il se destine d’abord à la musique et envisage une carrière de flûtiste avant de s’orienter vers la peinture au tournant des années 1900.
Contrairement à de nombreux artistes de sa génération, Pierre Thévenet est essentiellement autodidacte et ne suit pas de véritable cursus académique aux Beaux-Arts.
Cette absence de formation officielle contribue sans doute à la spontanéité de sa touche et à la liberté de sa palette
Ses premiers travaux montrent une sensibilité proche du luminisme belge et du post-impressionnisme.
Il fréquente alors des artistes actifs à Bruxelles et développe un goût marqué pour les effets atmosphériques, les vibrations colorées et les paysages baignés de lumière.
Vers 1919, il s’installe à Paris où il découvre plus directement l’héritage impressionniste. Montmartre, les berges de Seine, les Tuileries deviennent des sujets privilégiés
Notre huile double face est particulièrement intéressante car elle réunit deux thèmes essentiels de son répertoire : le paysage et la nature morte.
Sur une face apparaît un paysage de printemps, Les verts frais du premier plan, les reflets d’eau et les touches lilas créent une atmosphère calme et vibrante, caractéristique de ses paysages influencés par l’impressionnisme tardif.
L’autre face présente une nature morte d’une grande intensité colorée. Les fruits : oranges, pomme et noix, sont disposés sur une nappe tressée ou un tapis clair vu en légère plongée.
La composition est volontairement asymétrique, donnant un équilibre vivant à l’ensemble.
Ici la matière devient beaucoup plus épaisse : la peinture est appliquée en empâtements généreux, presque sculptés, rappelant certaines recherches post-impressionnistes et fauves.
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| Dimensions | 48 × 68 cm |
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La palette de Bastien associe des tons chauds — ocres, bruns, jaunes — pour les bâtiments et le sol, à un ciel bleu clair lumineux, créant un contraste qui met en valeur l’activité du village.
La lumière diffuse de l’après-midi est rendue avec une grande subtilité, conférant à la scène une atmosphère à la fois paisible et animée. La touche est vigoureuse et texturée : les empâtements accentuent le relief des chevaux et du chariot, tandis que les coups de pinceau rapides évoquent le mouvement et l’énergie de la vie rurale
Bredin, devient rapidement un artiste de grande envergure, expose dans tout le pays et attire le regard des plus grand collectionneur
Durant la Première Guerre mondiale, il s’engagea au Foyer du Soldat, unité de service social de l’armée française, qu’il rejoignit en 1918 et où il exerça les fonctions de directeur régional jusqu’en 1919.
Il retourna en France en 1929 pour réaliser un portrait commandé par le Swarthmore College.
Reconnu comme portraitiste et paysagiste, Bredin exécuta également des peintures murales.
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Bredin était membre de nombreux clubs et organisations professionnelles, dont le Philadelphia Art Club, let la Société Internationale des Beaux-Arts et des Lettres à Paris.
Dès sa première apparition à ‘Académie en 1907, Bredin fut régulièrement représenté dans les expositions de l’Académie jusqu’à sa mort.
Outre le prix Hallgarten de 1914, il reçut le prix Maynard de l’Académie en 1921.
Ici l’artiste eprésente un jardin luxuriant, où la lumière joue entre les feuillages et la façade d’une construction en arrière-plan.
Les youches de couleur éclatantes créent un foisonnement végétal presque abstrait, où les branches, les feuilles et les ombres se mêlent dans un rythme dynamique et complexe.
La palette, mêlant verts tendres, rouges et violets profonds, apporte une richesse chromatique qui capte immédiatement le regard et traduit la vitalité du jardin sous une lumière douce.
L’artiste se distingue ici par un traitement presque sculptural des troncs et branches, qui donnent une impression de profondeur et de relief
L’originalité de Bredin réside dans sa capacité à conjuguer naturalisme et expressivité chromatique :
loin de simplement décorer la surface, il organise la végétation de manière à créer une composition vivante et rythmée, où le regard circule librement entre premier plan et arrière-plan
« Bredin a su allier harmonie et puissance, un art véritable… les couleurs s’agencent en harmonies d’une organisation rigoureuse et d’une qualité exceptionnelle… la texture et l’expression d’ensemble sont remarquables. . » – John F. Folinsbee, « Bredin Memorial », 1933
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