Mais Fer est aussi un théoricien de la couleur, au même titre que d’autres grands noms comme Seurat.

En 1953, il publie Solfège de la couleur, où il développe les principes scientifiques de la couleur dans le néo-impressionnisme, tout en montrant une certaine indépendance à l’égard des théories de ses amis peintres, dont Maximilien Luce, Louis Valtat ou Paul Signac.

Dans notre composition, le paysage n’existe que par la matière et la couleur.
Le ciel, l’eau, l’église sont traités par une mosaïque de touches plus libres que celles de ses confrères pointillistes.
L’arrière-plan, construit par de légères lignes horizontales érigeant un pont entre le fleuve et le ciel, guide les yeux du spectateur vers l’église que l’on soupçonne. Traités dans de subtils dégradés pastel de bleu et de rose, Fer laisse s’échapper la douce lumière d’une matinée de printemps.

Le premier plan est, lui, exécuté plus librement, avec des empâtements plus « anarchiques » et des couleurs plus fortes et franches, apportant du relief à la peinture.

Il s’oriente ensuite vers des scènes d’intérieur et des représentations de la vie parisienne, qui lui valent plusieurs distinctions prestigieuses : mention honorable et prix Brizard en 1889, médaille de 3ᵉ classe en 1897, médaille de 2ᵉ classe en 1899, puis une médaille de bronze à l’Exposition universelle de 1900.

Partageant son temps entre Paris et la Normandie, il travaille l’hiver dans la capitale, inspiré par l’effervescence de la vie urbaine, et se consacre l’été aux paysages maritimes autour de sa maison de Bénouville, près d’Étretat. On lui doit également la réalisation de décors pour l’hôtel de ville de Vanves.

En reconnaissance de son œuvre, il est nommé chevalier de la Légion d’honneur en 1910.

Dans cette œuvre, souvenir d’un marché ou scène peinte sur le vif, trois éléments en constituent l’essence : la matière, la couleur et la lumière.

L’artiste travaille par empâtements, notamment dans les légumes, où l’épaisseur de la touche apporte du relief et de la rondeur à l’étal du marché.

La foule, quant à elle, est esquissée par des coups de pinceau vifs, dans une palette de noirs et d’orangés. Seule une femme vêtue de noir se détache de ce tumulte, contrastant avec la lumière du soleil qui se reflète sur les façades ocre de l’arrière-plan.

Darien nous offre ainsi une scène en mouvement, animée par de puissants contrastes chromatiques.

Il expose à Paris aux Salons de la Société des Artistes français, dont il était membre depuis 1897, et de la Société nationale des Beaux-Arts, dont il était membre depuis 1910.

En 1908, il fonde « La Société Moderne », qui comprend des peintres comme Lebasque, Raffaëlli, Aman et Maurice Chabas. Les galeries Devambez et Durand-Ruel sont invitées à leurs expositions annuelles.

Le Salon des Indépendants lui consacre une importante rétrospective en 1926. Nombre de ses œuvres sont conservées dans des musées importants : Paris (Musée d’Orsay), Châteauroux, Guéret, musées des Beaux-Arts de Rouen, de Limoges, de Nantes, de Nice, de Pau, Hôtel de Ville de Rouen, etc.

C’est un sujet classique et intime que nous offre ici l’artiste.
Loin des démonstrations chromatiques de ses paysages de la Creuse, le peintre déploie cependant des touches colorées.
La verdure y est traitée dans de délicats dégradés de verts parsemés de roses, de jaunes et de rouges, apportant de la vie.

Le jardinier, assis, est exécuté dans les mêmes tonalités que le mur de la maison et semble se fondre dans son environnement.

Cette importante vue du Vieux-Port de Marseille illustre parfaitement la liberté picturale d'Augustin Carrera.

À la croisée du postimpressionnisme et des audaces chromatiques du fauvisme, l'artiste transforme le spectacle quotidien du port en une véritable orchestration de couleurs.

La composition frappe tout d'abord par son point de vue plongeant, particulièrement moderne.

Carrera domine la scène et entraîne le regard depuis les eaux du port, à gauche, jusqu'aux quais animés qui s'enfoncent dans la profondeur.

Cette diagonale puissante donne à la composition son rythme et permet au peintre de multiplier les petites scènes : promeneurs, travailleurs, embarcations et silhouettes ponctuent le quai et donnent au tableau une remarquable impression de vie.

Il ne cherche pas à donner une description topographique et immobile du Vieux-Port. Il en restitue plutôt le rythme, l'effervescence et la lumière.

Au cours de sa vie, Paul Mathey reçoit de nombreuses distinctions : il obtient
la médaille de 3ᵉ classe au Salon de Paris en 1876
, la médaille de 2ᵉ classe en 1885
puis la médaille d’or à l’Exposition universelle de Paris en 1889.

La même année, il est nommé Chevalier de la Légion d’honneur, reconnaissance majeure de son talent et de sa contribution à l’art français.

Mathey se distingue surtout comme portraitiste, peignant des artistes, compositeurs, personnalités parisiennes et membres de sa famille, tout en réalisant également des paysages, marines et scènes de genre.
Son style allie sobriété et précision, respectant les codes académiques tout en conservant une touche personnelle, proche du réalisme fin XIXᵉ
Il se consacre également à la gravure à l’eau‑forte, produisant des œuvres détaillées et raffinées.

Mais Detroy aime voyager.
Dès les années 1890, il part à la découverte du sud de la France, puis de l’Italie, de la Sicile et de l’Afrique du Nord.
Si l’œuvre de Detroy reste très rattachée à la Creuse,
le Sud — et notamment la baie d’Agay — est une étape charnière dans son tournant vers la modernité.
Les années 1885-1890 sont un tournant pour Detroy : « dans un environnement international en plein bouleversement, il s’interroge sur la voie à suivre ».

Il s’inspire de la photographie pour ses cadrages, puis, avec ses paysages, il explore une touche fragmentée et des couleurs vives.
La couleur devient une révélation et s’impose comme un élément constitutif de son art. C’est d’abord par la couleur que Detroy aborde la modernité.

À partir des années 1890, Detroy est fasciné par le Sud, dont la lumière singulière révèle une nature encore plus vibrante et changeante.
Au printemps 1892, il s’arrête à Agay, près de Saint-Raphaël, sur la côte varoise.
L’étonnante couleur rouge des rochers attire l’œil du peintre.
Il y retournera de nombreuses fois. Les œuvres de Detroy deviennent alors encore plus intensément colorées.

Dans les années 1900, lors des premières expositions de Detroy, les critiques révèlent une ascendance impressionniste, mais aussi la volonté de s’en démarquer.
Des couleurs intenses, une touche vive et, surtout, l’émotion sincère que l’artiste cherche à retranscrire dans sa toile.

Dans ces années-là, Detroy, sans atelier, travaille uniquement sur le
motif, et sa touche — celle de notre tableau — s’affirme.

C’est avec la lumière du Midi qu’elle se rapproche le plus des concepts néo-impressionnistes, « en devenant divisée sans toutefois atteindre la régularité d’un Signac ou d’un Edmond Cross ».
C’est ce qui fait la particularité du peintre.
Sa touche est tantôt faite de longs coups de pinceau parallèles,
ou brève et nerveuse, comme des virgules.

Il acquiert le château de Chailloué dans l'Orne qu'il dépeint abondamment. C'est le sujet cette peinture représentant: le jardin

La composition privilégie la sensation et l’atmosphère plutôt que le détail descriptif, avec une touche fragmentée et libre qui suggère les formes plus qu’elle ne les définit.

La palette claire, dominée par des tons pastel et des accords subtils de bleus, de verts et de roses, traduit une recherche harmonique typique du post-impressionnisme.

Avant la Première Guerre mondiale, il présente également ses œuvres en Russie à la demande de l’impératrice.?tte œuvre de Joseph-Bernard Artigue révèle une technique subtile, à la croisée du pointillisme et du post-impressionnisme.

La surface est animée par une multitude de petites touches colorées, juxtaposées avec délicatesse, qui rappellent la rigueur optique du pointillisme.

Cependant, l’artiste s’en éloigne par une écriture plus libre, moins systématique, où la vibration de la couleur prime sur la construction scientifique.

Dans cette approche, la touche devient plus souple, parfois diffuse, propre au médium du pastel, qui permet des fondus subtils tout en conservant une sensation de fragmentation lumineuse. Les teintes ne se mélangent pas totalement : elles se répondent, s’intensifient et créent une atmosphère vibrante

Élève de German Hernandez, il expose à Madrid en 1876, puis à Berlin et à Dresde.
S’étant fait naturaliser français, il figure au Salon des Artistes Français à l’Exposition de 1900 à Paris. Ayant connu une certaine vogue en tant que peintre de genre, entre autres, Cervantès.

Il excelle surtout dans la production de petits formats, paysages et scènes de genre.