Sa carrière prend un tournant décisif en 1876 lorsqu'elle présente au Salon un portrait de Sarah Bernhardt.
L'œuvre connaît un immense succès et fait immédiatement de Louise Abbéma la portraitiste privilégiée de la célèbre tragédienne, avec laquelle elle entretiendra une profonde amitié.

Grâce à cette notoriété, elle reçoit les commandes des plus grandes personnalités de la société parisienne : Ferdinand de Lesseps, Charles Garnier, Jean-Jacques Henner ou encore le prince Pedro II du Brésil.

Elle expose presque sans interruption au Salon des Artistes Français jusqu'en 1926, bâtissant une carrière exceptionnelle pour une femme artiste de son époque.

Artiste particulièrement polyvalente, Louise Abbéma ne se limite pas au portrait.
Elle réalise des panneaux décoratifs monumentaux, des paysages, des natures mortes, des éventails, des illustrations, des affiches, des gravures et même quelques sculptures.
Elle reçoit d'importantes commandes publiques pour l'Hôtel de Ville de Paris, plusieurs mairies parisiennes, le théâtre Sarah-Bernhardt ainsi que le palais du Gouverneur de Dakar.
Son rayonnement dépasse rapidement les frontières françaises : elle participe notamment à l'Exposition universelle de Paris de 1900, où elle obtient une médaille de bronze,
puis à l'Exposition universelle de Chicago en 1893, qui contribue à sa renommée internationale.

Peinte en 1915 à Plailly, cette délicate huile sur toile révèle une facette plus intime de Louise Abbéma.
Loin des portraits mondains qui ont fait sa réputation, l'artiste s'attache ici à traduire la poésie silencieuse de la campagne française.

Sous un clair de lune diffus, une meule de foin domine le premier plan tandis qu'un chemin conduit le regard vers quelques maisons assoupies.
Les arbres se fondent dans une légère brume bleutée et le ciel, baigné d'une lumière argentée, enveloppe toute la scène d'une atmosphère paisible.

La touche est libre et vibrante, proche de l'impressionnisme, mais demeure parfaitement maîtrisée.
Plus qu'une représentation fidèle du paysage, Louise Abbéma cherche à restituer une impression, une émotion fugitive, où la lumière nocturne transforme le paysage en une vision presque onirique

Mais Detroy aime voyager.
Dès les années 1890, il part à la découverte du sud de la France, puis de l’Italie, de la Sicile et de l’Afrique du Nord.
Si l’œuvre de Detroy reste très rattachée à la Creuse,
le Sud — et notamment la baie d’Agay — est une étape charnière dans son tournant vers la modernité.
Les années 1885-1890 sont un tournant pour Detroy : « dans un environnement international en plein bouleversement, il s’interroge sur la voie à suivre ».

Il s’inspire de la photographie pour ses cadrages, puis, avec ses paysages, il explore une touche fragmentée et des couleurs vives.
La couleur devient une révélation et s’impose comme un élément constitutif de son art. C’est d’abord par la couleur que Detroy aborde la modernité.

À partir des années 1890, Detroy est fasciné par le Sud, dont la lumière singulière révèle une nature encore plus vibrante et changeante.
Au printemps 1892, il s’arrête à Agay, près de Saint-Raphaël, sur la côte varoise.
L’étonnante couleur rouge des rochers attire l’œil du peintre.
Il y retournera de nombreuses fois. Les œuvres de Detroy deviennent alors encore plus intensément colorées.

Dans les années 1900, lors des premières expositions de Detroy, les critiques révèlent une ascendance impressionniste, mais aussi la volonté de s’en démarquer.
Des couleurs intenses, une touche vive et, surtout, l’émotion sincère que l’artiste cherche à retranscrire dans sa toile.

Dans ces années-là, Detroy, sans atelier, travaille uniquement sur le
motif, et sa touche — celle de notre tableau — s’affirme.

C’est avec la lumière du Midi qu’elle se rapproche le plus des concepts néo-impressionnistes, « en devenant divisée sans toutefois atteindre la régularité d’un Signac ou d’un Edmond Cross ».
C’est ce qui fait la particularité du peintre.
Sa touche est tantôt faite de longs coups de pinceau parallèles,
ou brève et nerveuse, comme des virgules.

Il acquiert le château de Chailloué dans l'Orne qu'il dépeint abondamment. C'est le sujet cette peinture représentant: le jardin

La composition privilégie la sensation et l’atmosphère plutôt que le détail descriptif, avec une touche fragmentée et libre qui suggère les formes plus qu’elle ne les définit.

La palette claire, dominée par des tons pastel et des accords subtils de bleus, de verts et de roses, traduit une recherche harmonique typique du post-impressionnisme.

Avant la Première Guerre mondiale, il présente également ses œuvres en Russie à la demande de l’impératrice.?tte œuvre de Joseph-Bernard Artigue révèle une technique subtile, à la croisée du pointillisme et du post-impressionnisme.

La surface est animée par une multitude de petites touches colorées, juxtaposées avec délicatesse, qui rappellent la rigueur optique du pointillisme.

Cependant, l’artiste s’en éloigne par une écriture plus libre, moins systématique, où la vibration de la couleur prime sur la construction scientifique.

Dans cette approche, la touche devient plus souple, parfois diffuse, propre au médium du pastel, qui permet des fondus subtils tout en conservant une sensation de fragmentation lumineuse. Les teintes ne se mélangent pas totalement : elles se répondent, s’intensifient et créent une atmosphère vibrante

Élève de German Hernandez, il expose à Madrid en 1876, puis à Berlin et à Dresde.
S’étant fait naturaliser français, il figure au Salon des Artistes Français à l’Exposition de 1900 à Paris. Ayant connu une certaine vogue en tant que peintre de genre, entre autres, Cervantès.

Il excelle surtout dans la production de petits formats, paysages et scènes de genre.

Au milieu des années 1870, Camille Delpy se rapproche de Camille Pissarro et de Paul Cézanne, avec lesquels il partage une profonde admiration pour l’œuvre de Charles-François Daubigny.
Cette proximité nourrit sa réflexion sur la peinture de paysage et renforce son intérêt pour l’observation directe de la nature.

Les œuvres qu’il présente aux Salons de 1873 et 1874 rencontrent un accueil favorable, confirmant sa place parmi les jeunes paysagistes prometteurs de son époque.

u cours des années 1880, Camille Delpy partage son temps entre la côte normande, la forêt de Fontainebleau et Paris, explorant différents paysages et affinant sa technique. Sa carrière est couronnée par sa première médaille de Salon en 1884, reconnaissance de sa maîtrise du paysage et de la lumière.

Lors de l’Exposition universelle de 1889, il reçoit une mention honorable, consolidant sa réputation. Le galeriste parisien Georges Petit, figure majeure de la promotion de la peinture française contemporaine, prend alors Delpy sous son aile.

Dans cette délicate vue des bords de Seine, Hippolyte Camille Delpy restitue avec une grande sensibilité les dernières lueurs du jour.

L'artiste déploie ici toute la subtilité de son talent. Une touche fine et soignée modèle avec douceur les vastes étendues du ciel et les reflets argentés de l'eau, créant une atmosphère légère et enveloppante.
À cette facture délicate s'opposent par endroits des coups de pinceau plus larges et plus affirmés, notamment dans les masses d'arbres et les berges.
Ces accents plus vigoureux animent la composition et introduisent une vie autour du fleuve

Cet équilibre entre précision et spontanéité confère au tableau une remarquable présence

Un tournant décisif se produit lorsqu’il rencontre en 1895 le peintre Maxime Maufra à Trébeurden, qui devient pour lui une inspiration majeure et l’encourage à peindre en plein air.

Cette expérience le conduit à explorer intensément les côtes bretonnes, Belle‑Île, Saint‑Briac, le Golfe du Morbihan, Quiberon, ainsi que les paysages maritimes et fluviaux de Hollande et de Belgique, attiré par leurs lumières particulières

Wilder expose pour la première fois en 1904 à la galerie Bernheim‑Jeune à Paris, dans une exposition individuelle préfacée par Octave Mirbeau, critique d’art réputé qui salue son talent.

Wilder représente ici le cap roux,, avec ses falaises abruptes, ses rochers ocres et sa mer d’un bleu profond.
Au premier plan, un arbre aux troncs rouges et au feuillage dense s’incline vers l’eau, encadrant la scène et guidant le regard vers l’horizon.

L’artiste explore les effets changeants du soleil, les couleurs saturées et les paysages escarpés. Ces voyages le mènent régulièrement à Beaulieu-sur-Mer, à Villefranche et sur le littoral varois;

« Sur des préparations au vermillon, il reprend à l'atelier les pochades du plein-air.
Il ne stylise pas comme Cézanne, il livre à chaud son émotion ;
renonçant bientôt à l'atelier, il peint directement sur nature : un art franc et net qui ne s'est jamais évadé de l'Impressionnisme ;
sans les imiter, Wilder fait spontanément du Sisley ou du Maufra, un peintre qu'il admire beaucoup après sa rencontre à Trebeurden en 1895. » Gérald SHURR

Notre tableau illustre parfaitement la maîtrise de Costes dans la techniquepointilliste.
La composition est dominée par une rangée d’arbres à gauche, peints par de petites touches juxtaposées de bleu et de violet qui captent la lumière et donnent du relief aux troncs et feuillages.

Le sol et les vallons sont rendus par une mosaïque de touches ocres, violettes et vertes, créant un rythme visuel qui guide l’œil vers l’arrière-plan, où l’eau et l’horizon se fondent dans des touches claires et aériennes.
Le ciel, d’un bleu très doux, contraste avec le sol animé de milliers de petites nuances
. Les effets de clair-obscur sont suggérés par la juxtaposition de points clairs et foncés, créant une atmosphère vibrante et poétique

Les touches sont plus libres, son rythme plus contemplatif, et sa palette choisie pour faire respirer la lumière et la douceur des paysages plutôt que pour respecter une stricte méthodologie scientifique choisi par d'autres peintre comme Seurat par exemple

Son œuvre peut être vue comme un pointillisme poétique, où chaque touche devient un souffle de lumière et un élément de contemplation, faisant du spectateur un témoin silencieux de la beauté des paysages du Sud.v

Pendant la première guerre mondiale Guullonnet trouve refuge dans le sud de la France,
notamment sur les rives méditerranéennes, où la nature, le vent et la lumière deviennent des sources d’inspiration constantes pour ses paysages et ses nus délicats.
Guillonnet s’installe à Carros,
un petit village du sud, dans les Alpes-Maritimes, où il s’installe sur invitation d’un ami en 1899
Il y retourne régulièrement jusqu’à la fin de sa vie.

Fasciné par la lumière méditerranéenne, les ombres mouvantes des pergolas, les jardins baignés de soleil et la douceur de la vie provençale, l’artiste développe un univers profondément lumineux
*
Les scènes rurales du Midi, les femmes portant des paniers de fruits, les sous-bois, les oliviers et les vendanges
deviennent alors des sujets privilégiés, lui permettant d’explorer les contrastes subtils entre fraîcheur de l’ombre et éclat du soleil.

Le Repos des Vendangeurs,
se distingue par la richesse de sa mise en scène. Guillonnet y représente un groupe de vendangeurs
réunis sous une grande pergola ombragée, dans un moment de pause au cœur de la journée.
La scène est animée par une multitude de détails et tous ces éléments donnent au tableauune dimension vivante.

Le spectateur semble invité à partager ce moment de repos avec les personnages. Guillonnet maîtrise ici à la perfection les effets de lumière et d’ombre Le regard circule constamment entre les zones fraîches de l’ombre et les éclats lumineuxfiltrant à travers la végétation.

La lumière ne sert pas uniquement à éclairer la scène : elle structure entièrement la composition et crée une atmosphère de calme, de chaleur et d’abondance.