Après la Première Guerre mondiale, durant laquelle il poursuit son activité artistique tout en travaillant dans la maroquinerie de luxe, il s’installe à Paris.

Sa véritable reconnaissance débute en 1925, lorsqu’il présente une œuvre au Salon des Indépendants. Puis il devient Sociétaire de la Société Nationale des Beaux-Arts en 1940, avant d’intégrer son jury quelques années plus tard.

L’année 1948 représente un tournant décisif dans sa carrière. Il obtient la Bourse de voyage de l’Afrique-Équatoriale française, attribuée par la Société des Beaux-Arts d’Outre-Mer.
Entre 1949 et 1981, il effectue pas moins de dix-sept grands voyages à travers le monde.

E1862, il reçoit le prestigieux Prix Puvis-de-Chavannes de la Société Nationale des Beaux-Arts.
L’année suivante, en 1963, il est nommé Peintre Officiel de la Marine.
En 1965, il reçoit également le Prix de dessin d’Île-de-France..
Son parcours est enfin consacré par son élection à l’Académie des Sciences d’Outre-Mer en 1976.

Lorsque éclate la Première Guerre mondiale, Massonet sert dans l’armée belge comme brancardier  et durant cette période, il participe également à la création du journal illustré Le Claque à Fond, publication devenue emblématique de la vie culturelle des soldats belges sur le front.

Son œuvre se caractérise par une grande diversité de sujets. Il peint des vues de Bruxelles, Paris ou Venise, des scènes d’intérieur, des portraits, mais également des compositions consacrées à la musique, au théâtre et à la danse.
Son trait vif et spontané révèle une fascination constante pour le mouvement.

Parallèlement à son activité de peintre, Massonet réalise de nombreuses affiches et illustrations publicitaires. Il travaille notamment pour Philips, Agfa-Gevaert ou encore la Société Nationale des Chemins de Fer Belges (SNCB). Son trait est très recherché par les publicistes

Après la Seconde Guerre mondiale, il séjourne régulièrement à Paris où il fréquente le cercle de Maurice de Vlaminck.
Cette période contribue à enrichir sa palette et à renforcer la liberté de son écriture picturale. Il poursuit alors une carrière particulièrement active, alternant expositions, publications et commandes.

Notre peinture,son dessin vif, sa composition immédiatement lisible et sa capacité à saisir une attitude en quelques traits, l'œuvre évoque l'univers de l'illustration, de l'affiche et même de la bande dessinée naissante.
La lumière théâtrale et les personnages croqués sur le vif témoignent de ce sens de la narration rapide qui fit la force de son œuvre graphique.

De retour à Toulon au début des années 1930, Baboulène s'oriente d'abord vers les arts décoratifs et réalise de nombreux décors. Son talent est rapidement reconnu et il est nommé professeur de décoration à l'École des Beaux-Arts de Toulon en 1936.

Après la Seconde Guerre mondiale, sa rencontre avec les artistes catalans Antoni Clavé et Antoni Tàpies constitue un tournant décisif.
Il abandonne progressivement les arts décoratifs pour se consacrer entièrement à la peinture de chevalet. Cette orientation nouvelle lui permet d'affirmer pleinement sa personnalité artistique et d'élaborer un langage pictural original, caractérisé par une grande liberté de touche et une sensibilité remarquable à la couleur.

À partir des années 1950, son travail est largement exposé en France et à l'étranger. Ses œuvres sont présentées dans de nombreuses villes telles que Paris, Londres, Genève, Berlin, Madrid, New York ou encore Tokyo

Cette reconnaissance est accompagnée de plusieurs distinctions importantes. Il reçoit le Prix Ève en 1950, puis le prestigieux Prix Othon Friesz en 1952. En 1955, le Prix Esso vient confirmer la place qu'il occupe désormais dans la peinture française contemporaine. Deux ans plus tard, il obtient le Grand Prix de la Biennale internationale de Menton.

Dans Le Paravent, Eugène Baboulène célèbre l'univers intime des grands maîtres nabi que furent Pierre Bonnard et Édouard Vuillard.

Comme eux, il transforme un intérieur ordinaire en une symphonie de couleurs et de lumière, où meubles, objets et tentures participent à une même harmonie décorative.

La touche libre, les accords subtils de bleus et de verts, ainsi que l'atmosphère chaleureuse et silencieuse de la scène rappellent ces intérieurs raffinés où la couleur devient le véritable sujet du tableau.

Très active dans les associations artistiques féminines, elle participe régulièrement aux expositions de l'Union des Femmes Peintres et Sculpteurs entre 1921 et 1939. Son talent y est récompensé par le Prix d'Art Décoratif de l'Union en 1925.

Quelques années plus tard, elle y expose notamment une série consacrée aux anciennes demeures et cours de Capri.
En 1928, son autoportrait intitulé Fin de journée est distingué par le prix Claudio Castelucho-Diana lors du Salon.

La fin des années 1920 marque une nouvelle étape de sa carrière avec l'obtention du prix de la Compagnie Paquet en 1929. Peu après, elle entreprend plusieurs voyages en Afrique du Nord, séjournant notamment au Maroc et en Tunisie.

Cette période lui vaut de nouvelles distinctions, parmi lesquelles le prix de la Compagnie de Navigation Mixte en 1931, ainsi que plusieurs récompenses attribuées par la Société Coloniale des Artistes Français au cours des années 1930.

Son talent, ses représentations  vives et joyeuses de la société parisienne, attire très vite l’attention de grands marchands tels  Adolphe Goupil et Felix Gérard.

Ses participation au Salon des artistes français, lui apporte encore plus de visibilité
En 1888, il s'installe à La Varenne et épouse Léonie Beck, l'une de ses modèles.

Spécialisé dans les portraits et les scènes d'inspiration 18^ème  siècle, Garrido répond aux attentes du marché en adoptant une esthétique influencée par l’ouvrage L’Art du XVIIIᵉ siècle d’Edmond et Jules de Goncourt, publié en 1881.

Garrido connaît un succès international, exposant dans des capitales artistiques majeures telles que Paris, Londres et Munich.
À la fin de sa vie, il s'installe à Caen, auprès de son fils, Louis-Édouard Garrido, également peintre. Une partie de l'œuvre de Garrido père et fils est conservée au musée Charles Léandre en Normandie.

Ici, l’artiste représente  une jeune femme élégante  dans un intérieur richement décoré.
Assise près d’une fenêtre, elle offre au spectateur, une pause lassive et décontractée.
De sa  main droite elle tient délicatement une cigarette, dont la fumée s’élève en volutes légères,  ajoutant un effet de mouvement et de légèreté à la scène.

La composition évoque  le raffinement et l’élégance  de la société bourgeoise du XIXᵉ siècle.
La cigarette, placée en évidence,  n’est pas seulement un accessoire  mais un symbole de modernité et de sophistication,  soulignant l’émancipation et le goût pour la vie mondaine.

Au XIXᵉ siècle,  « la fumée »  prend une dimension exotique avec l’orientalisme
et se retrouve également  chez les impressionnistes et les artistes modernes, notamment avec la popularisation des cafés où l’on fume aussi bien la pipe que le cigare.

En parallèle,  l’arrivée de la cigarette, plus fine et plus légère,  devient un symbole de modernité  et de libération, féminine.

Des artistes comme Edgard Maxence, Édouard Manet, Félix Vallotton ou Edouardo Garrido,  tout en peignant la société de leur temps, n nous montrent la cigarette au féminin  comme un signe de glamour, de sophistication, mais aussi d’émancipation et de non-conformisme.

Dans notre tableau l'artiste représente une jeune femme debout devant un décor de boiseries, elle est vêtue d'une longue robe noire dont la silhouette élancée est magnifiée par un ample col de dentelle blanche.
La jeune femme tient une cigarette entre ses doigts, détail audacieux qui affirme sa modernité et son indépendance.
Cette attitude naturelle confère au portrait une spontanéité rare et une véritable présence psychologique.

Installé à Berlin, Seeger mène parallèlement une carrière de peintre, de dessinateur et de professeur. S
a réputation lui vaut d'être nommé professeur en 1912 puis d'occuper d'importantes fonctions au sein de l'Académie berlinoise durant plusieurs décennies.

Hermann Seeger est aujourd'hui surtout apprécié pour ses scènes de jeunes filles et d'enfants dans les paysages côtiers de la mer Baltique.

Ces compositions lumineuses, souvent inspirées de ses propres filles, témoignent d'un regard empreint de douceur et de poésie.

À travers ces figures élégantes baignées de soleil, il célèbre les plaisirs simples de l'enfance, la quiétude des vacances et la beauté des rivages du nord de l'Allemagne.

Présent régulièrement au Salon des Artistes Français entre 1889 et 1939, il y reçoit une médaille en 1899 et sera nommé chevalier de la Légion d’honneur en 1937.

A l’image des peintres impressionistes – bien qu’il ne se soit jamais revendiqué comme tel- Binet aime saisir les scènes de la vie quotidienne. Ses marchés aux fleurs sont réguièrement exposé et lui vaudront une médaille d’or au Salon de 1912

ici l'artiste nous offre deux petites scènes intimistes entre pointillisme et impressionisme .
Sur l'une d'elle l'artiste se représente en compagnie d'amis à lui , un savant belge et un peintre mexicain.

Le succès de Paul Chabas est précoce.
Récompensé d’une mention honorable au Salon de 1892, puis de médailles en 1895 et 1896, il obtient en 1899 le Prix national du Salon avec Joyeux Ébats.
Cette distinction lui offre une bourse de voyage de deux ans durant laquelle il parcourt l’Italie, la Grèce, la Turquie, l’Algérie et même la Norvège

Figure majeure de l’art académique français, Paul Chabas dirige l’Institut de France de 1921 à 1937 et préside la Société des artistes français de 1926 à 1936, marchant dans les pas de ses maîtres William Bouguereau et Tony Robert-Fleury.

Notre peinutre  montre une jeune femme capturée dans un moment d’intimité au bord de l’eau.
Elle semble jouer avec ses cheveux, les tenant dans ses mains dans un geste naturel et délicat.

La palette de Chabas est caractérisée par des tons doux et lumineux : des ocres, des beiges et des nuances rosées pour la peau, contrastant avec le vert tendre des arbres et le bleu clair du ciel reflété sur l’eau.
La texture fluide et légère du pinceau accentue la douceur de l’atmosphère et la fraîcheur de la scène.

Pendant la première guerre mondiale Guullonnet trouve refuge dans le sud de la France,
notamment sur les rives méditerranéennes, où la nature, le vent et la lumière deviennent des sources d’inspiration constantes pour ses paysages et ses nus délicats.
Guillonnet s’installe à Carros,
un petit village du sud, dans les Alpes-Maritimes, où il s’installe sur invitation d’un ami en 1899
Il y retourne régulièrement jusqu’à la fin de sa vie.

Fasciné par la lumière méditerranéenne, les ombres mouvantes des pergolas, les jardins baignés de soleil et la douceur de la vie provençale, l’artiste développe un univers profondément lumineux
*
Les scènes rurales du Midi, les femmes portant des paniers de fruits, les sous-bois, les oliviers et les vendanges
deviennent alors des sujets privilégiés, lui permettant d’explorer les contrastes subtils entre fraîcheur de l’ombre et éclat du soleil.

Le Repos des Vendangeurs,
se distingue par la richesse de sa mise en scène. Guillonnet y représente un groupe de vendangeurs
réunis sous une grande pergola ombragée, dans un moment de pause au cœur de la journée.
La scène est animée par une multitude de détails et tous ces éléments donnent au tableauune dimension vivante.

Le spectateur semble invité à partager ce moment de repos avec les personnages. Guillonnet maîtrise ici à la perfection les effets de lumière et d’ombre Le regard circule constamment entre les zones fraîches de l’ombre et les éclats lumineuxfiltrant à travers la végétation.

La lumière ne sert pas uniquement à éclairer la scène : elle structure entièrement la composition et crée une atmosphère de calme, de chaleur et d’abondance.