Ces affiches lui valent le titre de père de l’affiche moderne, un artiste qui combine peinture et marketing avec une créativité sans égale.

Ses recherches sur la couleur culminent dans les années 1880‑1890 : en superposant les couleurs primaires sur trois ou quatre passages d’impression, il parvient à toutes les variations possibles de teintes. Il est surnommé « le Watteau des rues » par Manet.

En 1895, il entame ses travaux décoratifs en réalisant des décorations monumentales pour des résidences privées et des bâtiments publics : à Évian, pour la Villa La Sapinière, propriété du baron Vitta ; à Paris, pour un salon de l’Hôtel de Ville (1896‑1903) et le rideau du théâtre du musée Grévin. Ces commandes témoignent de son talent pour l’art monumental et de son sens raffiné de la composition décorative.

Parallèlement à ses affiches et projets décoratifs, Jules Chéret peint également des scènes de genre et des portraits.
Son œuvre, caractérisée par des couleurs vives, des coups de pinceau rapides et une grande spontanéité, saisit l’élégance et la vitalité de la société parisienne pendant la Belle Époque.
Ses représentations de la vie quotidienne, ses portraits de femmes et ses moments intimes révèlent un sens unique du mouvement et de la lumière.

1870 : Médaille de bronze au Salon pour ses premières œuvres de genre.
1878 : Médaille d’or à l’Exposition Universelle pour ses affiches.
1891 : Légion d’honneur, reconnaissance officielle de sa contribution artistique et culturelle.

Il reçoit également de multiples récompenses dans des salons internationaux, notamment à Londres et à Bruxelles.

Le travail de Chéret a eu une influence significative sur les peintres de son époque, y compris Henri de Toulouse-Lautrec, Georges Seurat, Pierre Bonnard et Édouard Vuillard, qui s’inspirèrent de son sens du mouvement, de la couleur et de la légèreté dans la représentation de la vie moderne.

Installé en France, Poole‑Smith expose régulièrement et obtient une reconnaissance dans le monde artistique européen :

Royal Academy, Londres (1912 et 1913) : une vitrine prestigieuse pour les artistes émergents et confirmés, offrant à Poole‑Smith une visibilité internationale.
Salon des Artistes Français, Paris (1920 et 1922) : exposition officielle très influente qui confirme son intégration dans le milieu artistique parisien.

Le style de Leslie Robert Poole‑Smith se distingue par une figuration raffinée, un trait précis et expressif et une palette harmonieuse et subtile qui met en valeur la lumière, les textures et la profondeur des scènes.
Ici, l’élégante tourne la tête vers le spectateur, établissant un contact visuel direct qui ajoute à la fois présence et immédiateté à la scène.

Ses thèmes principaux incluent les scènes de genre et la vie quotidienne, avec des portraits de personnages dans leur environnement social ou domestique qui captent les interactions, les gestes et les moments intimes.
Il peint également des paysages et des environnements naturels avec une observation attentive des atmosphères, des saisons et des éléments naturels, ainsi que des représentations d’oiseaux et d’autres animaux où la précision scientifique se mêle à la sensibilité artistique.

Les portraits et personnages élégants qu’il réalise étudient la posture, les expressions et le caractère, révélant la psychologie et la personnalité de ses sujets.

La même année, il est nommé Chevalier de la Légion d’honneur, reconnaissance majeure de son talent et de sa contribution à l’art français.

Mathey se distingue surtout comme portraitiste, peignant des artistes, compositeurs, personnalités parisiennes et membres de sa famille, tout en réalisant également des paysages, marines et scènes de genre.
Son style allie sobriété et précision, respectant les codes académiques tout en conservant une touche personnelle, proche du réalisme fin XIXᵉ
Il se consacre également à la gravure à l’eau‑forte, produisant des œuvres détaillées et raffinées.

Cette œuvree représente une scène animée de bord de mer, probablement en Bretagne, où pêcheurs, vendeurs et promeneurs se côtoient dans une atmosphère quotidienne et vivante.

L’ensemble donne l’impression d’un ensemble d’études réunies, chaque groupe de personnages semblant avoir été travaillé séparément, comme autant de tentatives d’observer et de saisir différents gestes, postures et attitudes sur le littoral.
Au premier plan, des figures debout, accroupies ou manipulant paniers et charrettes évoquent le travail et les routines du port, tandis qu’à l’arrière-plan, un groupe se dirige vers l’eau, créant une impression de profondeur et de foisonnement humain.

La palette est claire et lumineuse, dominée par les tons sable et bleu-gris de la mer et du ciel, ponctuée de touches plus vives ,le rouge du parapluie et les nuances des vêtements ,qui rythment la composition.
Le pinceau rapide et fluide traduit l’observation attentive et spontanée de Mathey, privilégiant l’impression générale et le mouvement à la précision formelle.

Van Engelen obtient plusieurs distinctions en 1876,
parmi lesquelles un second prix d’excellence en dessin,
un premier prix de composition d’histoire,
ainsi que d’autres récompenses en perspective, anatomie et costume,
témoignant de sa grande maîtrise technique dès ses débuts.

Si Van Engelen ne remporte pas le Prix de Rome belge en 1880 malgré une prestation remarquable (il obtient le maximum de points en composition d’histoire lors de l’épreuve préparatoire), sa technique et son regard lui valent le respect de ses pairs et une reconnaissance croissante dans les milieux artistiques belges et internationau

Au tournant des années 1880, Van Engelen commence sa carrière professionnelle en participant, sous la direction de Verlat, à la réalisation de grands panoramas historiques, comme celui de la Bataille de Waterloo à Bruxelles , en 1882, du Panorama de Moscou, pour lequel il se rend en Russie avec Verlat et d’autres collaborateurs artistes.
Ces projets ambitieux lui permettent d’acquérir une expérience précieuse, de travailler à grande échelle et de perfectionner sa vision réaliste.

Peu après ce séjour en Russie, Van Engelen entreprend en 1883 un voyage en Italie, où il découvre l’art et la lumière méditerranéenne, influence qu’il intègre progressivement à sa palette. Dans les années qui suivent, il voyage aussi régulièrement :
il se rend aux États‑Unis au début des années 1890, où il peint et expose certaines de ses œuvres,
puis en 1898 dans le Congo belge, où il réalise des paysages inspirés des terres coloniale

Le tableau représente surement  l’atelier de Louis van Engelen à Anvers.

Au centre de la composition, trois personnages animent la scène.
Le personnage près de la grande fenêtre, tourné légèrement vers l’intérieur, attire immédiatement le regard : sa posture et son attitude laissent penser qu’il est en train d’observer le travail de Van Engelen ou de réfléchir sur une œuvre, tandis que la lumière naturelle illumine délicatement son visage et ses vêtements.
Ce jeu de lumière, filtré par les vitres, confère à la scène un réalisme presque photographique et souligne la tranquillité studieuse de l’atelier.

À droite, on distingue Van Engelen lui‑même, tenant sa palette et ses pinceaux, concentré sur sa toile, tandis que l’espace autour de lui est rempli de références à la vie artistique : cadres d’études, sculptures en plâtre, livres et divers outils de peintre témoignent d’un atelier actif et réfléchi. La précision des objets et la manière dont la lumière les caresse démontrent l’œil attentif de Van Engelen et son souci du détail.

Il est possible que les deux autres personnages, plus discrets dans l’arrière-plan, soient des membres du groupe Les XIII, cercle d’artistes fondé à Anvers en 1891 auquel Van Engelen appartenait.
Leur présence suggérée enrichit la scène d’une dimension sociale et collaborative : l’atelier devient non seulement le lieu de travail d’un artiste mais aussi un espace de dialogue et d’échanges créatifs entre peintres.

La composition, l’éclairage et les détails minutieux font de ce tableau une véritable capsule de la vie artistique à Anvers à la fin du XIXᵉ siècle, où l’on peut presque sentir la lumière traverser la fenêtre, entendre le silence studieux de l’atelier et observer les gestes attentifs des artistes à l’œuvre. C
e tableau est un hommage à la pratique artistique, au réalisme minutieux et à la communauté des peintres de l’époque

Célèbre de son vivant et très prolifique,
il exposa dans presque tous les Salons à partir de 1882.
Il reçut une Mention Honorable en 1886
et une Médaille de Bronze
lors de l’Exposition Universelle de 1889.

Il est souvent considéré comme un précurseur de l’artiste américain Norman Rockwell.

Cette huile sur toile illustre parfaitement le talent de l’artiste pour saisir des instants de poésie quotidienne et d’innocence enfantine.
Le sujet est simple : une petite poupée vêtue d’un kimono coloré, assise par terre, tend la main vers un papillon blanc qui voltige au-dessus d’elle, ajoutant une touche de réalisme et de tendresse.
À ses côtés, un vase en métal contient un bouquet de houx aux baies rouges éclatantes, tandis qu’un quartier de clémentine à moitié épluché

La palette, avec ses couleurs chaudes et subtiles, renforce l’atmosphère poétique de l’œuvre.
Chaque détail, de la texture des feuilles de houx aux plis du tissu de la poupée, témoigne de son soin méticuleux à rendre les matières et de son œil attentif au portrait.

Cette peinture illustre également l’humour et la gaieté caractéristiques de l’artiste : même une scène simple, comme celle d’une poupée observant un papillon, devient un petit monde de curiosité et d’émerveillement.

Il ne dramatise jamais le quotidien, mais l’élève  plutôt grâce à sa sensibilité  et à son approche poétique.

Ici il représente un personnage à l’allure théâtrale, coiffé d’un haut-de-forme, un magicien.
Sur sa main droite un petit oiseau, regarde avec curiosité la plume de paon qu’il agite devant lui avec son autre. Sur la table en avant-plan, des cartes à jouer éparses.

Le visage du magicien est traité avec une minutie presque photographique :
la carnation, les joues rosées, les rides et le sourire malicieux traduisent un réalisme sensible et vivant proche de la jovialité théâtrale attribuée à cette profession.tout en incarnant un moment poétique et sensible entre le maître et son oiseau.

La palette de couleurs est chaleureuse et subtile : tons ocres et bruns pour le costume, blanc lumineux pour la chemise, et la touche verte irisée de la plume attire immédiatement le regard.

Dans la revue Littéraire de 1910 on peut lire
« Élève de Bonnat, sa manière est moins dure que celle de son maître. Par la vigueur et la justesse de son dessin, l’harmonie de sa couleur à la fois sombre et lumineuse, et la souplesse de son tempérament qui s’adapte aux sujets, Guillaume Alaux mérite une mention. »

La composition se déploie avec un sens précis du détail, depuis le mobilier richement sculpté jusqu’aux textures des étoffes et du tapis, et des tenus des personnages, le tout mise en valeur par une palette chromatique vibrante et chaude.
La présence du chat au sol ajoute une touche de réalisme et de chaleur quotidienne.

Loin de se limiter à une illustration statique, il compose une scène presque théâtrale, où chaque détail, attitude, regard, accessoire, contribue à raconter une histoire.

L’artiste se distingue quelque peu de son œuvre habituelle.
La composition est animée, presque frénétique, où les silhouettes des spectateurs, esquissées de manière impressionniste, se fondent dans l’effervescence des couleurs vives projetées dans le ciel et reflétées sur la foule.

Les touches rapides et colorées suggèrent le mouvement et l’éclat des lumières, tandis que la nuit profonde sert de fond sombre, accentuant l’effet lumineux des artifices.
L’œuvre se distingue ainsi comme une incursion exceptionnelle dans un registre où la couleur et le mouvement dominent, lui plus habituées à la calme voluptée des bords de seine.