Huile sur panneau, Indiens patagons fin 19eme
2.000,00 €
Cette scène représente ce quis emble être un campement de Patagons.
Au premier plan, deux cavaliers brandissent de longues hampes ornées d’étendards flottant au vent, insufflant à la composition l’impression d’une future chevauchée
À l’arrière-plan, les silhouettes rassemblées autour d’un feu de camp animent la scène tandis que d’autres cavaliers se fondent dans l’horizon, accentuant la profondeur et l’immensité du paysage.
L’artiste se distingue par la qualité de son observation et le soin apporté aux détails.
Les attitudes des chevaux, les costumes traditionnels, les tentes et les accessoires sont rendus avec une grande justesse, conférant à la scène une véritable dimension ethnographique sans jamais perdre sa force pictural
Informations complémentaires
| Poids | 2000 kg |
|---|---|
| Dimensions | 35,5 × 22,5 cm |
Huile surcarton, Intérieur à la lanterne magique, 1881
5.800,00 €
Datée 1881, cette inérieu évoque avec raffinement l’univers des découvertes scientifiques et des innovations optiques de la fin du XIXᵉ siècle.
Au centre de la composition trône, ce qui semble être une lanterne magique, célèbre appareil de projection considéré comme l’un des ancêtres du cinématographe.
Autour d’elle prennent place une pendule ou un régulateur, plusieurs ouvrages et documents, formant un véritable cabinet d’étude où se rencontrent science, technique et savoir.
Le peintre construit sa composition avec une grande modernité et une rigueur géométrique, faisant dialoguer les lignes du mobilier avec celles du décor mural.
Informations complémentaires
| Poids | 2000 kg |
|---|---|
| Dimensions | 32,5 × 41 cm |
Huile sur toile, Le peintre et son modèle par Marius WOULFART
5.800,00 €
Marius Woulfart 1909-1991
est un peintre, graveur, lithographe, illustrateur et décorateur de théâtre français d’origine russe. Il est le fils du peintre Max Wulfart (1876-1942), artiste formé à l’Académie des Beaux-Arts d’Odessa puis à l’École nationale des Beaux-Arts de Paris,
qui restera son unique maître et exercera une influence déterminante sur son œuvre.
La famille, installée à Paris depuis 1903, est naturalisée française en 1927 ; le patronyme « Woulfart » correspond à la transcription originelle du nom familial.
Artiste très actif, Marius Woulfart expose régulièrement au Salon d’Automne à Paris et participe à de nombreuses manifestations artistiques, notamment à la Biennale de Menton. Ses expositions personnelles sont organisées dans plusieurs galeries.
Il obtient de nombreuses récompenses :
1970 : Premier Prix et Médaille d'Or du XIᵉ Salon de Grasse ;
1971 : Premier Prix de Dessin du Salon de Grasse
1972 : Premier Prix du Salon International ;
1973 : Médaille de la Ville de Mantes-la-Jolie ;
1978 : Médaille d'Or de la Ville de Granville.
Les œuvres de Marius Woulfart intègrent de nombreuses collections publiques et privées.
Elles sont notamment conservées au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, ainsi que dans plusieurs musées français (Tarbes, Dax, Agen, Auch, Périgueux, Angoulême) et étrangers, notamment à Montréal et à Palm.
Héritier de l'École de Paris, Marius Woulfart développe ici une peinture d'une grande liberté d'exécution, où la richesse des harmonies colorées, la spontanéité de la touche nous offre une vision intime de l'atelier de l'artiste.
Beach
Informations complémentaires
| Dimensions | 80 × 113 cm |
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Huile sur carton, Double face-Clown attribué à Henri MILLER
2.700,00 €
les formes volontairement simplifiées et la palette vive évoquent l’univers pictural d’Henry Miller (1891-1980)
célèbre écrivain américain qui mena parallèlement une importante activité de peintre.
Au cours de sa vie, Miller réalisa plusieurs milliers d’aquarelles et de peintures
Cette œuvre originale réunit deux compositions peintes sur les deux faces d’un même panneau : un clown joyeux, aux couleurs éclatantes et à la touche spontanée, dont l’expression espiègle est renforcée par une palette vibrante et un traitement libre de la matière .
au revers, un portrait féminin aux formes simplifiées, construit par de puissants contours noirs et des volumes géométrisés, évoquant les recherches du cubisme et de la figuration moderne.
Informations complémentaires
| Dimensions | 47,5 × 60 cm |
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Artiste d'une remarquable polyvalence, il s'illustre comme peintre, sculpteur, céramiste et dessinateur. Dès le Salon de 1870, il expose ses premières œuvres avant de recevoir une mention honorable au Salon de 1881 pour sa peinture, puis une récompense pour sa sculpture à l'Exposition universelle de 1889.
Son œuvre picturale se distingue par un naturalisme sensible, consacré aux scènes de la vie parisienne et aux métiers populaires. Avec des tableaux tels que Une équipe de bitumiers, Porteurs de farine ou Les Halles, il livre un témoignage vivant de la capitale en pleine transformation industrielle et urbaine, alliant précision du dessin, sens de la lumière et profonde attention à la condition humaine.]]>
Huile sur toile, Le troubadour par Louis Carrier-Belleuse
8.500,00 €
Louis-Robert Carrier-Belleuse (1848-1913)
Fils du célèbre sculpteur Albert-Ernest Carrier-Belleuse et frère du peintre Pierre Carrier-Belleuse, Louis-Robert Carrier-Belleuse naît à Paris en 1848. Formé très tôt dans l’atelier familial, il poursuit son apprentissage à l’École des Beaux-Arts auprès de Gustave Boulanger et d’Alexandre Cabanel, tout en développant une solide maîtrise des arts décoratifs.
Artiste d’une remarquable polyvalence, il s’illustre comme peintre, sculpteur, céramiste et dessinateur. Dès le Salon de 1870, il expose ses premières œuvres avant de recevoir une mention honorable au Salon de 1881 pour sa peinture, puis une récompense pour sa sculpture à l’Exposition universelle de 1889.
Son œuvre picturale se distingue par un naturalisme sensible, consacré aux scènes de la vie parisienne et aux métiers populaires.
Avec des tableaux tels que Une équipe de bitumiers, Porteurs de farine ou Les Halles, il livre un témoignage vivant de la capitale en pleine transformation industrielle et urbaine, alliant précision du dessin, sens de la lumière et profonde attention à la condition humaine.
Parallèlement à sa carrière de peintre, Carrier-Belleuse joue un rôle majeur dans les arts décoratifs.
Après avoir collaboré à la Manufacture de Sèvres, il devient en 1889 directeur artistique de la Faïencerie de Choisy-le-Roi, où il renouvelle les modèles céramiques par une esthétique raffinée inspirée de la nature et des arts de son temps.
Il réalise également plusieurs commandes monumentales, notamment le Monument national du Costa Rica et le tombeau du président José María Reina Barrios au Guatemala.
Ici,loin des compositions théâtrales ou des épisodes héroïques, l'artiste choisit de représenter un jeune musicien dans un moment de repos et de contemplation.
Allongé nonchalamment sur un coffre, un livre enluminé ouvert devant lui, le personnage semble absorbé dans ses pensées, offrant une scène silencieuse et profondément humaine.
Le cadrage rapproché renforce cette impression de proximité. Le spectateur partage l'espace du troubadour, dont la pose décontractée rompt avec les attitudes solennelles habituellement qu'il a pu aborder dans d'autres peintures sur ce sujet.
À l'arrière-plan, une importante collection de céramiques et de faïences attire le regard.
Leur présence n'est sans doute pas anodine : éminent céramiste et directeur artistique de la faïencerie de Choisy-le-Roi.
Ces objets, peints avec autant de soin que le personnage, témoignent de son goût pour les arts décoratifs et de son intérêt pour les jeux de matières, d'émaux et de reflets.
Informations complémentaires
| Dimensions | 62 × 75 cm |
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Une huile sur toile, Troubadour à La Fenêtre par Léon Maxime Faivre
3.200,00 €
Léon Maxime FAIVRE (1856-1914)
est un peintre français. Ses sujets sont assez variés : peintre d’histoire, de sujets allégoriques, de scènes de genres, de natures-morte… mais toujours dans un style classique.
Il fut l’lélève de Jean-Léon Gérôme et de Gustave Boulanger aux Beaux-Arts de Paris.
Ses œuvres sont présentées au Salon de 1877 à 1881 puis au Salon des Artistes français dont il devient sociétaire en 1886.
Il obtient une mention honorable en 1879, une médaille de troisième classe en 1884, une médaille de bronze à l’Exposition Universelle de 1889, une médaille d’argent à celle de 1900.
On retrouve ses tableaux dans de nombreux musées, notamment à Orsay et au Petit-Palais à Paris.
Dès le Salon de 1802, on commence à avoir des peintures dites troubadours, celles-ci sont tout d’abord qualifiées de «genre anecdotique», c’est-à-dire à mi-chemin entre la peinture d’histoire et la scène de genre.
Le terme de «troubadour» a été utilisé dès la fin du 19e siècle pour qualifier des œuvres qui illustrent un Moyen Âge souvent fantasmé et loin de la réalité historique.
Par extension, ce terme fut appliqué à toutes les productions artistiques qui prennent des formes ou des thèmes médiévaux.
Faivre ne cherche pas uniquement l'exactitude archéologique ; il recrée un univers idéalisé où règnent la musique, la solitude et la rêverie. Son dessin précis, hérité de sa formation académique, s'accompagne d'une remarquable maîtrise des effets de lumière.
Cette scène intimiste, empreinte de poésie, témoigne du goût de la fin du XIXᵉ siècle pour les sujets médiévaux et de la capacité de Faivre à leur insuffler une atmosphère profondément sensible.
Informations complémentaires
| Dimensions | 87 × 76 cm |
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Unehuile sur toile, Mère et son enfant par Maximilienne GUYON
12.800,00 €
GUYON Maximilienne, Mme Goepp 1868-1903
Peintre de scènes de genre, portraits, fleurs et fruits, aquarelliste, illustratrice.
Maximilienne Guyon (épouse Goepp) est une des rares femmes artistes de la fin du XIXe siècle à avoir été formée à l’Académie Julian sous l’égide de certains des plus grands : Joseph Nicolas Robert-Fleury, de Jules Lefebvre et de Gustave Boulanger.
Elle reçoit une bourse de voyage en 1894.
Elle expose au Salon de Artistes Français de Paris, de 1887 à 1903, obtenant une médaille de troisième classe en 1888.
Elle fait partie de la délégation de femmes françaises artistes présentées à l’Exposition universelle de 1893 à Chicago, regroupées dans le Woman’s Building
Portraitiste accomplie, peintre de figures, aquarelliste, graveuse et illustratrice, Maximilienne Guyon développe une œuvre profondément attachée à la représentation de l'enfance, de la vie quotidienne et des émotions humaines.
Son dessin précis, hérité de sa formation académique, s'allie à une sensibilité naturaliste où la lumière, les expressions et la psychologie des modèles occupent une place essentielle.
Elle illustre également des ouvrages de Honoré de Balzac et d'André Theuriet, tout en enseignant la peinture.
Disparue prématurément à seulement trente-cinq ans, en 1903, Maximilienne Guyon laisse une œuvre relativement rare.
Son œuvre témoigne d'une remarquable diversité. Maximilienne Guyon partage son activité entre les portraits de la bonne société parisienne, où elle révèle une grande finesse psychologique,
et des figures féminines plus intimes, représentant de jeunes femmes à la beauté élégante, parfois lascive et sensuelle.
Sans jamais tomber dans la provocation, elle sait conjuguer le raffinement académique à une sensualité discrète, caractéristique du goût de la Belle Époque.
Cette dualité, entre portrait mondain et idéal féminin, constitue l'une des signatures de son œuvre.
Dans cette émouvante composition, Maximilienne Guyon met en scène une jeune fille portant dans ses bras un enfant, probablement sa fille.
Les deux figures occupent presque toute la surface de la toile, établissant une proximité immédiate avec le spectateur. Le regard grave de l'aînée, dirigé droit vers nous, constitue le véritable centre émotionnel de l'œuvre.
Le paysage qui s'étend derrière elles, probablement une rive de Seine ou de Marne, est traité avec une grande finesse atmosphérique.
Les arbres encore clairsemés, les maisons qui se fondent dans une légère brume et les reflets paisibles de l'eau installent un décor calme et lumineux, sans détourner l'attention des personnages.
Au-delà de ses qualités techniques, cette toile témoigne de l'intérêt constant de Maximilienne Guyon pour les scènes de la vie populaire et pour l'enfance.
Par la justesse psychologique de ses personnages et la sobriété de sa mise en scène, cette œuvre s'inscrit dans la grande tradition des portraits réalistes de la fin du 19e siècle, tout en révélant la sensibilité profondément personnelle de l'artiste.
Informations complémentaires
| Dimensions | 89 × 102 cm |
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Huile sur panneau, La modèle dans l’atelier par Alexandre BONNARDEL
4.500,00 €
Alexandre BONNARDEL ( 1867-1942)
Il commence ses études en 1891 aux Beaux-Arts de Lyon , dans l’atelier du peintre Antoine Christian Zacharie -puis celui de Jean-Baptiste Poncet .
Encouragé pour « la précocité de son talent d’artiste », Alexandre.Bonnardel considéré dès 1892 comme « un des meilleurs élèves ».
Il conquiert très tôt le cœur de collectionneurs et des critiques en présentant ses œuvres au Salon de la Société des Artistes Lyonnais.
Ainsi, entre 1895-1899, il obtient toutes les médailles et l’ont « saluer(ont) l’efflorescence et l’épanouissement d’un beau talent » dont tous « espérait , pour un prochain Salon, (…) quelques oeuvres de vaste conception qui mettra M.Bonnardel au rang des grands peintres Lyonnais » (L’Echo de Vienne et de la région, 1895).
Au début du siècle, il est nommé Professeur de la Classe du modèle vivant à l'Ecole des Beaux-Arts de Lyon, Conseiller du Bureau de la Société des Artistes Lyonnais, décide de partir à la conquête du public parisien.
Les spectateurs sont séduits par sa virtuosité habituelle" ses qualités de fin coloriste, il réalise de petites "Scènes d'Intérieurs" "véritables bijoux" ( poétiques- dans le sillage desquelles l'on se doit de placer sa production picturale des années 1920-19
L'artiste s'attache moins à décrire les détails du mobilier ou les traits du modèle qu'à restituer une atmosphère. La composition s'organise autour du halo lumineux de la lampe, véritable cœur du tableau, qui éclaire délicatement le visage de la lectrice et les pages du livre. Cette lumière rose dorée se diffuse dans toute la pièce, créant un jeu subtil d'ombres et de reflets qui enveloppe la scène d'une douce intimité.
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Huile sur toile, La lecture, début 20ème
2.400,00 €
Ce tableau illustre une jeune femme absorbée par sa lecture, dans l’intimité d’un intérieur baigné par la lumière chaleureuse d’une lampe.
Si le thème est classique, son traitement révèle une sensibilité résolument moderne, héritée du post-impressionnisme du début du XXᵉ siècle.
L’artiste s’attache moins à décrire les détails du mobilier ou les traits du modèle qu’à restituer une atmosphère.
La composition s’organise autour du halo lumineux de la lampe, véritable cœur du tableau, qui éclaire délicatement le visage de la lectrice et les pages du livre.
Cette lumière rose dorée se diffuse dans toute la pièce, créant un jeu subtil d’ombres et de reflets qui enveloppe la scène d’une douce intimité.
Informations complémentaires
| Dimensions | 60 × 42,5 cm |
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Huile sur panneau, Paysage attribué a Gabriel PERELLE
3.200,00 €
PERELLE Gabriel
Né en 1603 à Vernon-sur-Seine. Mort le 6 mars 1677 à Paris.
Peintre de paysagesanimés, paysages, aquarelliste, graveur, dessinateur. Fils d’un fermier du duc de Vieuveille, il entre, en qualité devalet de chambre, chez le duc qui remarque son goût pour le dessin, le prend sous son aile etet lui donne comme maitrr Daniel Rabel.
Suite à cette formation il travaille dans l’atelierde Simon Vouet.
Il devient aussi un grand graveur d’aprèsles dessins de Poussin, Asselyn, Paul Bril, Silvestre.
« Il montra un talent égalde dessinateur et de graveur, peignant des paysages, des vues en nombreconsidérable. Il s’inspira dans ses compositions de Claude Lorrain, deFrancisque Millet, mais il conserva une facture personnelle qui faitreconnaître ses estampes à première vue. »
Informations complémentaires
| Dimensions | 22,5 × 22,5 cm |
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