Cauldwell expose au Salon de Paris dès 1885, puis à nouveau en 1888, avant de présenter régulièrement ses œuvres à la Nationale ainsi qu’à la Royal Academy de Londres à partir de 1891.

En 1888, il participe à une exposition à Philadelphie avec Some Breton Sunshine.

Ses œuvres témoignent d’une sensibilité aux effets de lumière et à l’atmosphère.
De retour aux États-Unis, l’artiste se consacre principalement au pastel et au portrait, ou il est célébré par les critiques.

Comme de nombreux peintres américains de sa génération, Cauldwell est attiré par la Bretagne.

Ce pastel de Leslie Giffen Cauldwell révèle une étonnante modernité dans le traitement de l’espace. L’arrière-plan est construit par de larges bandes horizontales aux nuances de verts, animées par une lumineuse ligne bleu ciel qui traverse la composition et attire immédiatement le regard. Ce contraste chromatique met en valeur le visage de la jeune Bretonne, dont la silhouette se détache avec une remarquable douceur.

Le geste délicat de la jeune fille tendant la main vers la branche d’un arbre introduit une élégante dimension japonisante. Comme dans les estampes japonaises qui fascinèrent les artistes de la fin du XIX? siècle, l’arbre devient un élément structurant de la composition, créant un dialogue poétique entre la figure et la nature.

La finesse du trait, la souplesse des contours et la grâce linéaire qui anime l’ensemble évoquent quant à elles l’esthétique de l’Art nouveau.

Entre observation sensible et recherche décorative, Cauldwell compose une œuvre d’une grande subtilité, où la simplicité du sujet s’efface devant la modernité du langage pictural.

Georges Castex participe au prestigieux chantier de décoration de la Salle des Illustres du Capitole de Toulouse, aux côtés des principaux représentants de l'École toulousaine.
Il enseigne également à l'École des Beaux-Arts de Toulouse, transmettant son savoir à plusieurs générations d'artistes.

Le peintre représente ici ses enfants en très gros plan, leurs profils se détachant sur un paysage.
Le cadrage audacieux, presque photographique, rapproche immédiatement le spectateur des modèles.

La fillette, coiffée d'un grand nœud rouge, et le garçon regardent dans la même direction, hors du champ. Leur attention semble captivée par un événement invisible, créant une impression de mystère et d'attente. Leurs visages sont traités avec une grande douceur, tandis que les rouges des vêtements répondent aux tons rosés du ciel.

Une importante rétrospective lui a été consacrée en 2024 au Musée du Pays de Cocagne à Lavaur.

Son œuvre est essentiellement consacrée aux scènes de genre, aux portraits et aux figures féminines, qu'elle traite avec délicatesse et une attention particulière aux expressions et aux atmosphères intimistes.

Notre œuvre représente Lucien Bégule (1845-1935), maître du vitrail français, et la peintre.

La perspective employée, le moment choisi, nous font entrer dans l’intimité d’un atelier de vitrail.
Tous deux originaires de Lyon, Léonie Michaud , avec toute sa délicatesse nous montre l’excellence et la précision que requiert le travail du vitrail, qui au 19ème demeure un artisanat de luxe, participant au rayonnement mondial de la France.

L’inflexion colorée du verre contraste avec le reste de la toile aux teintes neutres et froides. De plus, l’atelier avec les outils au premier plan montre tout le processus d’élaboration.

Son talent, ses représentations  vives et joyeuses de la société parisienne, attire très vite l’attention de grands marchands tels  Adolphe Goupil et Felix Gérard.

Ses participation au Salon des artistes français, lui apporte encore plus de visibilité
En 1888, il s'installe à La Varenne et épouse Léonie Beck, l'une de ses modèles.

Spécialisé dans les portraits et les scènes d'inspiration 18^ème  siècle, Garrido répond aux attentes du marché en adoptant une esthétique influencée par l’ouvrage L’Art du XVIIIᵉ siècle d’Edmond et Jules de Goncourt, publié en 1881.

Garrido connaît un succès international, exposant dans des capitales artistiques majeures telles que Paris, Londres et Munich.
À la fin de sa vie, il s'installe à Caen, auprès de son fils, Louis-Édouard Garrido, également peintre. Une partie de l'œuvre de Garrido père et fils est conservée au musée Charles Léandre en Normandie.

Ici, l’artiste représente  une jeune femme élégante  dans un intérieur richement décoré.
Assise près d’une fenêtre, elle offre au spectateur, une pause lassive et décontractée.
De sa  main droite elle tient délicatement une cigarette, dont la fumée s’élève en volutes légères,  ajoutant un effet de mouvement et de légèreté à la scène.

La composition évoque  le raffinement et l’élégance  de la société bourgeoise du XIXᵉ siècle.
La cigarette, placée en évidence,  n’est pas seulement un accessoire  mais un symbole de modernité et de sophistication,  soulignant l’émancipation et le goût pour la vie mondaine.

Au XIXᵉ siècle,  « la fumée »  prend une dimension exotique avec l’orientalisme
et se retrouve également  chez les impressionnistes et les artistes modernes, notamment avec la popularisation des cafés où l’on fume aussi bien la pipe que le cigare.

En parallèle,  l’arrivée de la cigarette, plus fine et plus légère,  devient un symbole de modernité  et de libération, féminine.

Des artistes comme Edgard Maxence, Édouard Manet, Félix Vallotton ou Edouardo Garrido,  tout en peignant la société de leur temps, n nous montrent la cigarette au féminin  comme un signe de glamour, de sophistication, mais aussi d’émancipation et de non-conformisme.

Dans notre tableau l'artiste représente une jeune femme debout devant un décor de boiseries, elle est vêtue d'une longue robe noire dont la silhouette élancée est magnifiée par un ample col de dentelle blanche.
La jeune femme tient une cigarette entre ses doigts, détail audacieux qui affirme sa modernité et son indépendance.
Cette attitude naturelle confère au portrait une spontanéité rare et une véritable présence psychologique.

Installé à Berlin, Seeger mène parallèlement une carrière de peintre, de dessinateur et de professeur. S
a réputation lui vaut d'être nommé professeur en 1912 puis d'occuper d'importantes fonctions au sein de l'Académie berlinoise durant plusieurs décennies.

Hermann Seeger est aujourd'hui surtout apprécié pour ses scènes de jeunes filles et d'enfants dans les paysages côtiers de la mer Baltique.

Ces compositions lumineuses, souvent inspirées de ses propres filles, témoignent d'un regard empreint de douceur et de poésie.

À travers ces figures élégantes baignées de soleil, il célèbre les plaisirs simples de l'enfance, la quiétude des vacances et la beauté des rivages du nord de l'Allemagne.

Présent régulièrement au Salon des Artistes Français entre 1889 et 1939, il y reçoit une médaille en 1899 et sera nommé chevalier de la Légion d’honneur en 1937.

A l’image des peintres impressionistes – bien qu’il ne se soit jamais revendiqué comme tel- Binet aime saisir les scènes de la vie quotidienne. Ses marchés aux fleurs sont réguièrement exposé et lui vaudront une médaille d’or au Salon de 1912

ici l'artiste nous offre deux petites scènes intimistes entre pointillisme et impressionisme .
Sur l'une d'elle l'artiste se représente en compagnie d'amis à lui , un savant belge et un peintre mexicain.

Quelques années plus tard, en 1949, il reçoit également le prix de la Fondation Rothschild à Londres, avant d’être admis comme pensionnaire de la Casa Velázquez à Madrid, une étape importante qui lui permet de poursuivre sa maturation artistique et d’accéder à une reconnaissance internationale.

Après ces distinctions, sa carrière se déploie au gré de nombreuses expositions et commandes publiques.
Il participe aux principaux salons parisiens comme ceux des Artistes Français, des Salons d’Automne et des Tuileries, et présente des expositions personnelles à Paris, Genève, Lausanne et Bruxelles.

Peintre intimiste, son œuvre est souvent décrite comme héritière du langage pictural de peintres tels que Bonnard et Juillard, alliant une sensibilité délicate à une maîtrise subtile de la couleur et de la forme.
Dès sa première exposition en 1943 chez Petridès, son travail reçoit les éloges d’écrivains et critiques tels que Paul Claudel et Sacha Guitry, soulignant sa capacité à créer un univers visuel personnel et singulier

Ici l’artiste concentre toute l’attention sur le visage du sujet, rendu avec douceur et subtilité grâce au fusain, créant un jeu délicat de clair-obscur qui sculpte les traits et apporte une dimension presque photographique à la lumière et aux ombres.

La jeune femme porte un chapeau à larges bords, dont la texture est suggérée par de légères hachures et nuances, et un voile orné de motifs décoratifs stylisés, tels que fleurs, formes géométriques et détails organiques, qui entourent le visage et encadrent l’expression
Ces motifs ajoutent à la fois une dimension ornementale et une impression de mouvement autour du sujet, presque comme une aura délicate.

Le dessin représente une jeune fille de face, légèrement tournée, dans une scène à la fois intime et ludique. Son visage fin, aux traits délicats et aux grands yeux expressifs, traduit la grâce et la douceur de l’enfance.

Elle porte un chapeau à larges bords décoré de rubans et un corsage ajusté avec plis et nœuds, qui, par leur style, évoquent la mode du fin XVIIIᵉ siècle.

Dans sa main droite, elle tient un objet pour faire des bulles

À ses côtés, un petit chien blanc se dresse sur ses pattes arrière, semblant interagir avec l’enfant apportant mouvement et vivacité à la composition.

Le dessin, réalisé en grisaille, utilise le clair-obscur avec subtilité pour rendre les textures des vêtements et la douceur du visage, créant un équilibre harmonieux entre réalisme et charme poétique.