Huiles sur toile, L’heure du thé par Lode Matthijs
4.500,00 €
Lode Matthijs 1915- 1955
Notre peinture est datée 1951
Peintre, aquarelliste et dessinateur belge qui développe une œuvre profondément personnelle, à la frontière du réalisme poétique, du symbolisme et d’une forme d’expression libre nourrie par l’imaginaire.
Sa formation débute à l’École des Arts Décoratifs d’Anderlecht, où il acquiert les bases du dessin et de la composition.
Durant ses années d’apprentissage, il bénéficie également des conseils de deux figures importantes de l’art belge du XXᵉ siècle : Jos Albert et Félix De Boeck.
Malgré ces rencontres déterminantes, Matthijs demeure en grande partie un artiste autodidacte, développant progressivement un langage pictural indépendant, éloigné des courants académiques traditionnels
Son œuvre révèle une fascination constante pour les atmosphères silencieuses, les figures féminines, les animaux familiers, les scènes nocturnes et les paysages traversés d’une dimension presque fantastique.
Ses compositions oscillent entre observation du quotidien et monde intérieur, donnant naissance à un univers empreint de poésie et de mystère.
La couleur occupe une place essentielle dans sa peinture. Matthijs affectionne les harmonies profondes de bleus, de verts et de terres chaudes qu’il anime par des touches lumineuses et des contrastes subtils.
Son dessin, souvent libre et synthétique, privilégie l’atmosphère à la description minutieuse.
Informations complémentaires
| Dimensions | 86 × 76 cm |
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Huiles sur toile, Le paravent par Eugène BALOULENE
3.800,00 €
Eugène Baboulène 1905-1994
Notre peinture estd atée 1961.
compte parmi les grandes figures de la peinture provençale du XXᵉ siècle. Son œuvre, profondément attachée à la lumière méditerranéenne, aux paysages du Sud et à la poésie du quotidien, lui a valu une reconnaissance nationale.
IL entreprend sa formation à l’École des Beaux-Arts de Toulon avant de poursuivre ses études à Paris. Il est admis à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts où il suit l’enseignement de Pierre Laurent, tout en fréquentant l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs.
De retour à Toulon au début des années 1930, Baboulène s'oriente d'abord vers les arts décoratifs et réalise de nombreux décors. Son talent est rapidement reconnu et il est nommé professeur de décoration à l'École des Beaux-Arts de Toulon en 1936.
Après la Seconde Guerre mondiale, sa rencontre avec les artistes catalans Antoni Clavé et Antoni Tàpies constitue un tournant décisif.
Il abandonne progressivement les arts décoratifs pour se consacrer entièrement à la peinture de chevalet. Cette orientation nouvelle lui permet d'affirmer pleinement sa personnalité artistique et d'élaborer un langage pictural original, caractérisé par une grande liberté de touche et une sensibilité remarquable à la couleur.
À partir des années 1950, son travail est largement exposé en France et à l'étranger. Ses œuvres sont présentées dans de nombreuses villes telles que Paris, Londres, Genève, Berlin, Madrid, New York ou encore Tokyo
Cette reconnaissance est accompagnée de plusieurs distinctions importantes. Il reçoit le Prix Ève en 1950, puis le prestigieux Prix Othon Friesz en 1952. En 1955, le Prix Esso vient confirmer la place qu'il occupe désormais dans la peinture française contemporaine. Deux ans plus tard, il obtient le Grand Prix de la Biennale internationale de Menton.
Dans Le Paravent, Eugène Baboulène célèbre l'univers intime des grands maîtres nabi que furent Pierre Bonnard et Édouard Vuillard.
Comme eux, il transforme un intérieur ordinaire en une symphonie de couleurs et de lumière, où meubles, objets et tentures participent à une même harmonie décorative.
La touche libre, les accords subtils de bleus et de verts, ainsi que l'atmosphère chaleureuse et silencieuse de la scène rappellent ces intérieurs raffinés où la couleur devient le véritable sujet du tableau.
Informations complémentaires
| Dimensions | 45 × 62 cm |
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Au premier plan, un tissu rouge aux bordures géométriques structure la composition. Au centre, la lampe verte à abat-jour facetté devient l’axe vertical du tableau. Sa forme anguleuse dialogue avec les volumes simplifiés des objets posés sur la table. Derrière, les fleurs du papier peint prolongent le décor et créent une confusion volontaire entre espace réel et espace ornemental.
Les formes sont volontairement simplifiées, presque découpées, avec un dessin synthétique rappelant certains artistes influencés par les Nabis, le post-cubisme décoratif et certains courants d’Europe centrale des années trente. On retrouve aussi quelque chose des recherches décoratives de l’Art Déco.
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Une huile sur carton, Nature-morte à la lampe vers 1930
2.000,00 €
Cette nature morte se situe à la frontière entre le décoratif et le modernisme des années 1925-1935.
Au premier plan, un tissu rouge aux bordures géométriques structure la composition.
Au centre, la lampe verte à abat-jour facetté devient l’axe vertical du tableau. Sa forme anguleuse dialogue avec les volumes simplifiés des objets posés sur la table. Derrière, les fleurs du papier peint prolongent le décor et créent une confusion volontaire entre espace réel et espace ornemental.
Les formes sont volontairement simplifiées, presque découpées, avec un dessin synthétique rappelant certains artistes influencés par les Nabis, le post-cubisme décoratif et certains courants d’Europe centrale des années trente. On retrouve aussi quelque chose des recherches décoratives de l’Art Déco.
Informations complémentaires
| Dimensions | 55 × 55 cm |
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Une huile sur toile, Paysage et Nature-Morte par Pierre THEVENET
4.800,00 €
Pierre Thévenet 1870 -1937
est un peintre belge post-impressionniste, issu d’une famille d’artistes, son père était baryton, sa sœur cantatrice et son frère cadet le peintre Louis Thévenet.
Il se destine d’abord à la musique et envisage une carrière de flûtiste avant de s’orienter vers la peinture au tournant des années 1900.
Contrairement à de nombreux artistes de sa génération, Pierre Thévenet est essentiellement autodidacte et ne suit pas de véritable cursus académique aux Beaux-Arts.
Cette absence de formation officielle contribue sans doute à la spontanéité de sa touche et à la liberté de sa palette
Ses premiers travaux montrent une sensibilité proche du luminisme belge et du post-impressionnisme.
Il fréquente alors des artistes actifs à Bruxelles et développe un goût marqué pour les effets atmosphériques, les vibrations colorées et les paysages baignés de lumière.
Vers 1919, il s’installe à Paris où il découvre plus directement l’héritage impressionniste. Montmartre, les berges de Seine, les Tuileries deviennent des sujets privilégiés
Notre huile double face est particulièrement intéressante car elle réunit deux thèmes essentiels de son répertoire : le paysage et la nature morte.
Sur une face apparaît un paysage de printemps, Les verts frais du premier plan, les reflets d’eau et les touches lilas créent une atmosphère calme et vibrante, caractéristique de ses paysages influencés par l’impressionnisme tardif.
L’autre face présente une nature morte d’une grande intensité colorée. Les fruits : oranges, pomme et noix, sont disposés sur une nappe tressée ou un tapis clair vu en légère plongée.
La composition est volontairement asymétrique, donnant un équilibre vivant à l’ensemble.
Ici la matière devient beaucoup plus épaisse : la peinture est appliquée en empâtements généreux, presque sculptés, rappelant certaines recherches post-impressionnistes et fauves.
Informations complémentaires
| Dimensions | 48 × 68 cm |
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Une huile sur toile, Le Guéridon par Louis THEVENET
4.500,00 €
Louis Thévenet 1874-1930
naît le 12 février 1874 à Bruges (Flandre‑Occidentale, Belgique). Il grandit très jeune à Bruxelles, où sa famille s’installe en 1876 lorsque son père devient organiste à l’église Saint‑Jacques au Coudenberg. Il est issu d’une famille d’artistes : son frère Pierre est aussi peintre et sa sœur Cécile chanteuse à l’Opéra‑Comique à Paris
hévenet n’entre pas dans une école d’art classique : il est autodidacte. Dans sa jeunesse, il exerce plusieurs petits métiers , apprenti boulanger, aide‑pâtissier, commis, puis aide‑cuisinier à bord d’un bateau anglais, ce qui lui permet de faire quelques voyages, avant de choisir définitivement la peinture vers 1896
Dans les années 1897‑1903, il séjourne souvent à Nieuwpoort en compagnie du peintre Auguste Oleffe, qui devient son mentor artistique et le pousse vers la vie picturale. C’est aussi à cette époque qu’il fréquente l’Académie Libre et le cercle artistique Le Labeur à Bruxelles, où il expose pour la première fois dès 1903.
vit ensuite à Uccle et se lie avec le mouvement des peintres dits Fauves brabançons, un groupe d’artistes belges inspirés par le fauvisme français, avec lesquels il expose à la Galerie Giroux en 1913.
Dès ses débuts, Louis Thévenet développe une esthétique très personnelle : ses œuvres ,souvent intimes, silencieuses et poétiques, tournent autour d’intérieurs, de natures mortes et de scènes de la vie quotidienne plutôt que de grands paysages ou de portraits officiels. Malgré des couleurs vives et chaleureuses, ses compositions restent sobres et concentrées sur l’essentiel.
En 1914, au début de la Première Guerre mondiale, Thévenet s’installe à Halle (Hal), une petite ville du Brabant flamand où il vivra jusqu’à sa mort. Pendant ces quatorze dernières années, il peint les rues, les cafés, les intérieurs modestes et la vie quotidienne de la ville, produisant l’essentiel de son œuvre.
Informations complémentaires
| Dimensions | 52 × 60 cm |
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De nombreux portraits, des légendes médiévales des scènes symbolistes à l’inspiration préraphaélites, marqueront critiques et collectionneurs.
Belles et distantes, à la fois célestes et envoutantes les portraits féminins de Maxence le distinguent des autres artistes
Au tournant du siècle, l’artiste est au faîte de sa gloire.
L’État lui achète L’Âme de la forêt, œuvre exposée au Salon de 1898 ;
puis il obtient une médaille d’or à l’Exposition décennale de 1900 avec Les Fleurs du lac
Maxence ne se limite pas à un seul médium : s’il travaille l’huile avec virtuosité, qu(il associe parfois la cire pour créer des effets de texture et de profondeur inédits.
C’est aussi avec l’aquarelle qu’il démonte sa grande technicitédans des portraits d’une subtile délicatesse.
Après la guerre, il décide de s’orienter vers des thèmes plus rémunérateurs.Il poursuit alors une brillante carrièrede portraitiste mondain,
tout en continuant à explorer avec sensibilité des sujets plus libre comme les natures mortes ou les paysages.
Chez Edgard Maxence,
les fleurs ont toujours occupé une place prépondérante et s’imposent comme des éléments essentiels de ses compositions.
Qu’elles relèvent d’un registre décoratif , tel la plume de paon délicatement posé dans les cheveux
ou qu’elles véhiculent une dimension symboliste,suggérée par le titre d’un tableau, l’artiste leur consacre un soin attentif et méticuleux.
Notre bouquet de fleurs de printemps illustre un autre pan de la carrière de Maxence, plus décoratif, mais tout aussi raffiné.
Les coquelicots éclatants s’oranges, hortensias vert tendres, petites fleurs jaunes et roses s’entrelacent avec la légèreté rappelant la simplicité et la fraîcheur
d’un bouquet cueilli au jardin.
Présenté dans un vase argenté posé sur une nappe claire, l’artiste offre un contraste délicat
avec la richesse des couleurs florales.
Le fond du tableau, loin d’être un simple espace neutre,
reçoit une attention particulière qui rapproche Maxence de la sensibilité des impressionnistes.
À la manière de ces derniers, il y introduit des touches légères, nuancées et vibrantes, mettant en valeur le bouquet.
]]>Elle est membre de la Société des artistes français, au sein de laquelle elle expose régulièrement, ainsi que de la Société nationale d’horticulture de France.
]]>Elle est membre de la Société des artistes français, au sein de laquelle elle expose régulièrement, ainsi que de la Société nationale d’horticulture de France.
]]>Parmi les nombreux sujets qu’il aime traiter on retrouve la nature-morte : objets simples, faïences, bouteilles, linges, traités avec sensibilité, où la composition et la matière priment.
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