Une huile sur toile, Le Guéridon par Louis THEVENET
4.500,00 €
Louis Thévenet 1874-1930
naît le 12 février 1874 à Bruges (Flandre‑Occidentale, Belgique). Il grandit très jeune à Bruxelles, où sa famille s’installe en 1876 lorsque son père devient organiste à l’église Saint‑Jacques au Coudenberg. Il est issu d’une famille d’artistes : son frère Pierre est aussi peintre et sa sœur Cécile chanteuse à l’Opéra‑Comique à Paris
hévenet n’entre pas dans une école d’art classique : il est autodidacte. Dans sa jeunesse, il exerce plusieurs petits métiers , apprenti boulanger, aide‑pâtissier, commis, puis aide‑cuisinier à bord d’un bateau anglais, ce qui lui permet de faire quelques voyages, avant de choisir définitivement la peinture vers 1896
Dans les années 1897‑1903, il séjourne souvent à Nieuwpoort en compagnie du peintre Auguste Oleffe, qui devient son mentor artistique et le pousse vers la vie picturale. C’est aussi à cette époque qu’il fréquente l’Académie Libre et le cercle artistique Le Labeur à Bruxelles, où il expose pour la première fois dès 1903.
vit ensuite à Uccle et se lie avec le mouvement des peintres dits Fauves brabançons, un groupe d’artistes belges inspirés par le fauvisme français, avec lesquels il expose à la Galerie Giroux en 1913.
Dès ses débuts, Louis Thévenet développe une esthétique très personnelle : ses œuvres ,souvent intimes, silencieuses et poétiques, tournent autour d’intérieurs, de natures mortes et de scènes de la vie quotidienne plutôt que de grands paysages ou de portraits officiels. Malgré des couleurs vives et chaleureuses, ses compositions restent sobres et concentrées sur l’essentiel.
En 1914, au début de la Première Guerre mondiale, Thévenet s’installe à Halle (Hal), une petite ville du Brabant flamand où il vivra jusqu’à sa mort. Pendant ces quatorze dernières années, il peint les rues, les cafés, les intérieurs modestes et la vie quotidienne de la ville, produisant l’essentiel de son œuvre.
Informations complémentaires
| Dimensions | 52 × 60 cm |
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De nombreux portraits, des légendes médiévales des scènes symbolistes à l’inspiration préraphaélites, marqueront critiques et collectionneurs.
Belles et distantes, à la fois célestes et envoutantes les portraits féminins de Maxence le distinguent des autres artistes
Au tournant du siècle, l’artiste est au faîte de sa gloire.
L’État lui achète L’Âme de la forêt, œuvre exposée au Salon de 1898 ;
puis il obtient une médaille d’or à l’Exposition décennale de 1900 avec Les Fleurs du lac
Maxence ne se limite pas à un seul médium : s’il travaille l’huile avec virtuosité, qu(il associe parfois la cire pour créer des effets de texture et de profondeur inédits.
C’est aussi avec l’aquarelle qu’il démonte sa grande technicitédans des portraits d’une subtile délicatesse.
Après la guerre, il décide de s’orienter vers des thèmes plus rémunérateurs.Il poursuit alors une brillante carrièrede portraitiste mondain,
tout en continuant à explorer avec sensibilité des sujets plus libre comme les natures mortes ou les paysages.
Chez Edgard Maxence,
les fleurs ont toujours occupé une place prépondérante et s’imposent comme des éléments essentiels de ses compositions.
Qu’elles relèvent d’un registre décoratif , tel la plume de paon délicatement posé dans les cheveux
ou qu’elles véhiculent une dimension symboliste,suggérée par le titre d’un tableau, l’artiste leur consacre un soin attentif et méticuleux.
Notre bouquet de fleurs de printemps illustre un autre pan de la carrière de Maxence, plus décoratif, mais tout aussi raffiné.
Les coquelicots éclatants s’oranges, hortensias vert tendres, petites fleurs jaunes et roses s’entrelacent avec la légèreté rappelant la simplicité et la fraîcheur
d’un bouquet cueilli au jardin.
Présenté dans un vase argenté posé sur une nappe claire, l’artiste offre un contraste délicat
avec la richesse des couleurs florales.
Le fond du tableau, loin d’être un simple espace neutre,
reçoit une attention particulière qui rapproche Maxence de la sensibilité des impressionnistes.
À la manière de ces derniers, il y introduit des touches légères, nuancées et vibrantes, mettant en valeur le bouquet.
]]>Elle est membre de la Société des artistes français, au sein de laquelle elle expose régulièrement, ainsi que de la Société nationale d’horticulture de France.
]]>Elle est membre de la Société des artistes français, au sein de laquelle elle expose régulièrement, ainsi que de la Société nationale d’horticulture de France.
]]>Parmi les nombreux sujets qu’il aime traiter on retrouve la nature-morte : objets simples, faïences, bouteilles, linges, traités avec sensibilité, où la composition et la matière priment.
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Peintre français, Louis-Eugène Lambert est l’un des représentants les plus sensibles de la peinture animalière et de nature morte au XIXᵉ siècle. Formé dans le sillage de l’école naturaliste, il se spécialise très tôt dans la représentation des animaux, en particulier des chats mais aussi des oiseaux et le gibier, qu’il traite avec une grande justesse d’observation.
Elève d'Eugène Delacroix, contrairement à une peinture de chasse spectaculaire, il privilégie des compositions intimistes, presque silencieuses, dans lesquelles l’animal devient un véritable sujet pictural. Son œuvre s’inscrit dans la tradition réaliste.
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Sa première exposition personnelle à lieu à Londres, en février 1913. Il y est entre 1914 et 1916 le plus proche ami de Walter Sickert, partageant un temps l’appartement de ce dernier, situé Red Lion Square.
Après la guerre, il reprend ses voyages, puis la Seconde Guerre le pousse jusqu’à Chalonnes-sur-Loire. Maurice supporte mal l’armistice avec l’Allemagne et, durant cette période, sa palette se fait plus rude. Son fils parle de « nus rouges et de petits bouquets » (dont notre œuvre fait sûrement partie).
La facture est typique d’Asselin : pinceaux visibles, application de la peinture en touches larges et dynamiques, qui capturent le mouvement et la spontanéité de la nature. Le vase est suggéré par des reflets et des transparences, démontrant la sensibilité de l’artiste aux effets de lumière sur les surfaces.
Maurice Asselin : « si vous aimez vraiment la peinture, vous ne lui demanderez pas seulement d’être une décoration pour les murs de votre logis, mais d’abord d’être un aliment pour votre vie intérieure », professe ainsi l’artiste qui poursuit : « aucune combinaison cérébrale, aucune théorie ne peut faire naître une œuvre d’art… L’art jaillit de l’amour émerveillé de la vie
]]>Lucien-Victor Guirand de Scévola est un peintre français talentueux et éclectique, il s’est illustré à la fois comme portraitiste, décorateur, illustrateur et figure importante de l’art officiel de la Troisième République.
]]>Son style se caractérise par une inspiration symboliste et une grande maîtrise du pastel, technique dans laquelle il excelle et qui lui vaut un large succès. Il est considéré comme l’un des rénovateurs de l’art du pastel au tournant du siècle.
Pendant la Première Guerre mondiale, Guirand de Scévola joue un rôle inattendu et déterminant : il est le créateur et le chef de la première unité de camouflage militaire française. Sous son impulsion, les « camoufleurs » développent des techniques innovantes pour dissimuler le matériel et les positions sur le front. Son action contribue à la reconnaissance officielle du camouflage comme spécialité militaire.
Après la guerre, il reprend ses activités artistiques. Il exécute de nombreux portraits, des scènes décoratives, des illustrations et des compositions d’inspiration mythologique. Il est fait officier de la Légion d’honneur.
]]>Henri Jehin fabriquait lui-même le vernis destiné à protéger ses œuvres peintes,
un vernis réputé pour sa grande qualité.
Peintre de chevalet et spécialisé dans la peinture sur bois de Spa, il obtint en 1864 le titre de « Fournisseur de S.A.R. le duc de Brabant », qui devint, le 17 février 1866, celui de « Fournisseur de S.M. Léopold II ».
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