Huile sur panneau, Port en fin de journée début 20eme
2.000,00 €
Cette vue de port au crépuscule séduit par son atmosphère paisible.
Les silhouettes monumentales des navires se détachent en contre-jour sur un ciel aux délicates nuances roses, mauves et dorées, dont les reflets animent la surface de l’eau.
Par une touche libre et synthétique, l’artiste simplifie les formes pour privilégier les effets de lumière et les harmonies colorées.
Informations complémentaires
| Poids | 2000 kg |
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| Dimensions | 35,5 × 22,5 cm |
Né en 1900 à Bobrouïsk, en Biélorussie (alors dans l'Empire russe), Charles Tcherniawsky s'installe à Paris au début des années 1920, où il rejoint ce que l'on appelle l'École de Paris.
Peintre et graveur, il expose très tôt dans les grands Salons parisiens, notamment le Salon d'Automne, le Salon des Indépendants et le Salon des Tuileries, tout en présentant des expositions personnelles dans plusieurs galeries renommées de la capitale.]]>
Huile sur toile, Paysage au phare par Charles TCHERNIAVSKY
4.500,00 €
Charles Tcherniawsky (1900-1976)
Né en 1900 à Bobrouïsk, en Biélorussie (alors dans l’Empire russe), Charles Tcherniawsky s’installe à Paris au début des années 1920, où il rejoint ce que l’on appelle l’École de Paris.
Peintre et graveur, il expose très tôt dans les grands Salons parisiens, notamment le Salon d’Automne, le Salon des Indépendants et le Salon des Tuileries, tout en présentant des expositions personnelles dans plusieurs galeries renommées de la capitale.
Son style, à la croisée du post-impressionnisme et de l'expressionnisme, révèle une peinture vivante, construite par une matière généreuse et une palette chaleureuse.
Au premier plan, les embarcations, les amarres et les structures portuaires sont traitées
avec des formes sont volontairement simplifiées et construites par de larges aplats colorés, tandis que la palette mêle les ocres, les rouges, les verts et les bleus dans une harmonie vibrante.
La lumière diffuse et le ciel largement travaillé accentuent l'atmosphère poétique du paysage, où l'artiste privilégie la sensation et l'émotion à la description fidèle.
Cette œuvre illustre parfaitement le langage pictural de Tcherniawsky, entre post-impressionnisme et expressionnisme, où la couleur et la matière deviennent les véritables protagonistes de la compositio
Informations complémentaires
| Dimensions | 80 × 69 cm |
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Paire de petites marimes datées de 1788 et 1798
2.800,00 €
Paire de petites marines sur vélin datée respectivement de 1788 et 1789.
Cette charmante paire de petites huiles sur panneau, , illustre avec beaucoup de sensibilité deux épisodes successifs d’une même aventure maritime :
le départ serein suivi du drame du naufrage.
Ce type de pendants était particulièrement apprécié à la fin du XVIII? siècle, notamment dans les écoles hollandaise et flamande, où les marines occupaient une place importante
Informations complémentaires
| Dimensions | 10 × 7,5 cm |
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Fils d’un industriel, il grandit sur l’Île de la Cité, dans un milieu artistique : des deux côtés de sa famille, il compte des peintres, dont Hippolyte Delpy et Camille Bellanger.
Il entre à l’École des Beaux-Arts de Paris en 1914, où il reçoit l’enseignement de maîtres parmi les plus réputés de l’époque : Fernand Cormon, Émile Renard, Jean-Paul Laurens et Charles Fouqueray. Il complète sa formation en fréquentant les ateliers de Paul Liot et Dumoulin, consolidant ainsi son apprentissage du dessin, de la composition et de la couleur.
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Une Huile sur toile, Port de Marseille apr Lucien Victor DELPY datée 1928
Prix sur demande / prices on request
Lucien-Victor Delpy 1898-1967
Fils d’un industriel, il grandit sur l’Île de la Cité, dans un milieu artistique : des deux côtés de sa famille, il compte des peintres, dont Hippolyte Delpy et Camille Bellanger.
Il entre à l’École des Beaux-Arts de Paris en 1914, où il reçoit l’enseignement de maîtres parmi les plus réputés de l’époque : Fernand Cormon, Émile Renard, Jean-Paul Laurens et Charles Fouqueray. Il complète sa formation en fréquentant les ateliers de Paul Liot et Dumoulin, consolidant ainsi son apprentissage du dessin, de la composition et de la couleur.
En 1923, Lucien-Victor Delpy ouvre son propre atelier, affirmant rapidement sa singularité et son talent. Il expose régulièrement au Salon des Artistes Français, remportant de nombreuses médailles et prix. En 1931, il est reconnu par les institutions officielles et nommé Peintre de la Marine, distinction qui souligne son excellence dans la représentation des paysages maritimes et des ports. Son talent est également récompensé par le Grand Prix de la Ville de Paris pour ses œuvres sur l’Afrique du Nord.
Après la guerre, sa carrière est marquée par plusieurs distinctions : en 1946, il reçoit le Prix des Paysagistes Français, puis en 1947 le Prix Corot, reconnaissance de son approche sensible et raffinée des paysages. En 1954, il est nommé Chevalier de la Légion d’Honneur, couronnant une carrière dédiée à la peinture et au service artistique de la France.
Le tableau offre une vue panoramique du port de Marseille, saisie depuis un point de vue légèrement en hauteur, qui permet d’apprécier l’organisation et le rythme de l’activité portuaire.
Au premier plan, on distingue un ensemble de quais et de pontons où sont amarrées de petites embarcations de plaisance, leurs coques claires contrastant avec le bleu profond de l’eau. Un bâtiment à toiture rouge occupe le coin inférieur droit, ajoutant une touche de couleur chaude et renforçant la perspective.
Au centre et à l’arrière-plan, plusieurs navires de plus grande taille sont amarrés : leurs mâts et cheminées se dressent dans le ciel, créant un rythme vertical qui guide le regard vers l’horizon. Delpy utilise une palette subtile de bleus et de gris pour l’eau et le ciel, nuancée de touches plus chaudes sur les quais et les bâtiments portuaires, capturant les variations lumineuses typiques d’une journée méditerranéenne.
Cette vue du port de Marseille par Lucien-Victor Delpy capte la lumière et l’atmosphère avec une sensibilité qui évoque Albert Marquet. Comme Marquet, Delpy privilégie les reflets sur l’eau, la fluidité des touches et l’harmonie des couleurs pour restituer le rythme et la vie du port, plutôt que les détails minutieux. L’équilibre entre les quais, les bateaux et l’horizon crée une composition à la fois dynamique et poétique, où la précision de Delpy rencontre la modernité de Marquet.
Informations complémentaires
| Dimensions | 85,5 × 74 cm |
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Dès 1866, il commence à produire des affiches pour des spectacles et des produits de consommation, révolutionnant le genre avec ses figures féminines lumineuses et dynamiques, appelées les « Chérettes ».
Ces affiches lui valent le titre de père de l’affiche moderne, un artiste qui combine peinture et marketing avec une créativité sans égale.
Ses recherches sur la couleur culminent dans les années 1880‑1890 : en superposant les couleurs primaires sur trois ou quatre passages d’impression, il parvient à toutes les variations possibles de teintes. Il est surnommé « le Watteau des rues » par Manet.
En 1895, il entame ses travaux décoratifs en réalisant des décorations monumentales pour des résidences privées et des bâtiments publics : à Évian, pour la Villa La Sapinière, propriété du baron Vitta ; à Paris, pour un salon de l’Hôtel de Ville (1896‑1903) et le rideau du théâtre du musée Grévin. Ces commandes témoignent de son talent pour l’art monumental et de son sens raffiné de la composition décorative.
Parallèlement à ses affiches et projets décoratifs, Jules Chéret peint également des scènes de genre et des portraits.
Son œuvre, caractérisée par des couleurs vives, des coups de pinceau rapides et une grande spontanéité, saisit l’élégance et la vitalité de la société parisienne pendant la Belle Époque.
Ses représentations de la vie quotidienne, ses portraits de femmes et ses moments intimes révèlent un sens unique du mouvement et de la lumière.
1870 : Médaille de bronze au Salon pour ses premières œuvres de genre.
1878 : Médaille d’or à l’Exposition Universelle pour ses affiches.
1891 : Légion d’honneur, reconnaissance officielle de sa contribution artistique et culturelle.
Il reçoit également de multiples récompenses dans des salons internationaux, notamment à Londres et à Bruxelles.
Le travail de Chéret a eu une influence significative sur les peintres de son époque, y compris Henri de Toulouse-Lautrec, Georges Seurat, Pierre Bonnard et Édouard Vuillard, qui s’inspirèrent de son sens du mouvement, de la couleur et de la légèreté dans la représentation de la vie moderne.
]]>Installé en France, Poole‑Smith expose régulièrement et obtient une reconnaissance dans le monde artistique européen :
Royal Academy, Londres (1912 et 1913) : une vitrine prestigieuse pour les artistes émergents et confirmés, offrant à Poole‑Smith une visibilité internationale.
Salon des Artistes Français, Paris (1920 et 1922) : exposition officielle très influente qui confirme son intégration dans le milieu artistique parisien.
Le style de Leslie Robert Poole‑Smith se distingue par une figuration raffinée, un trait précis et expressif et une palette harmonieuse et subtile qui met en valeur la lumière, les textures et la profondeur des scènes.
Ici, l’élégante tourne la tête vers le spectateur, établissant un contact visuel direct qui ajoute à la fois présence et immédiateté à la scène.
Ses thèmes principaux incluent les scènes de genre et la vie quotidienne, avec des portraits de personnages dans leur environnement social ou domestique qui captent les interactions, les gestes et les moments intimes.
Il peint également des paysages et des environnements naturels avec une observation attentive des atmosphères, des saisons et des éléments naturels, ainsi que des représentations d’oiseaux et d’autres animaux où la précision scientifique se mêle à la sensibilité artistique.
Les portraits et personnages élégants qu’il réalise étudient la posture, les expressions et le caractère, révélant la psychologie et la personnalité de ses sujets.
]]>la médaille de 3ᵉ classe au Salon de Paris en 1876
, la médaille de 2ᵉ classe en 1885
puis la médaille d’or à l’Exposition universelle de Paris en 1889.
La même année, il est nommé Chevalier de la Légion d’honneur, reconnaissance majeure de son talent et de sa contribution à l’art français.
Mathey se distingue surtout comme portraitiste, peignant des artistes, compositeurs, personnalités parisiennes et membres de sa famille, tout en réalisant également des paysages, marines et scènes de genre.
Son style allie sobriété et précision, respectant les codes académiques tout en conservant une touche personnelle, proche du réalisme fin XIXᵉ
Il se consacre également à la gravure à l’eau‑forte, produisant des œuvres détaillées et raffinées.
Cette œuvree représente une scène animée de bord de mer, probablement en Bretagne, où pêcheurs, vendeurs et promeneurs se côtoient dans une atmosphère quotidienne et vivante.
L’ensemble donne l’impression d’un ensemble d’études réunies, chaque groupe de personnages semblant avoir été travaillé séparément, comme autant de tentatives d’observer et de saisir différents gestes, postures et attitudes sur le littoral.
Au premier plan, des figures debout, accroupies ou manipulant paniers et charrettes évoquent le travail et les routines du port, tandis qu’à l’arrière-plan, un groupe se dirige vers l’eau, créant une impression de profondeur et de foisonnement humain.
La palette est claire et lumineuse, dominée par les tons sable et bleu-gris de la mer et du ciel, ponctuée de touches plus vives ,le rouge du parapluie et les nuances des vêtements ,qui rythment la composition.
Le pinceau rapide et fluide traduit l’observation attentive et spontanée de Mathey, privilégiant l’impression générale et le mouvement à la précision formelle.
Les marines occupent une place centrale dans l’œuvre de Gagliardini.
Il s’attache tout particulièrement aux scènes de pêche, qu’il représente avec une grande justesse d’observation et sans idéalisation
Barques échouées sur le sable, retours de pêche, figures de pêcheurs au travail ou en attente : ces sujets deviennent sous son pinceau des scènes de belles toiles lumineuses.
]]>Son talent est rapidement reconnu : ses toiles se distinguent par une atmosphère délicate, des lumières diffuses et des horizons brumeux où se dessinent voiliers, barques et scènes de pêche
Ses marines, appréciées pour leur douceur et leur poésie, entrent peu à peu dans les collections publiques : Avignon, Blois, Brest, Nantes, Orléans, Rennes ou encore l’île Tatihou conservent aujourd’hui ses tableaux.
Dans la premeire peinture l’artiste dépeint une atmosphère contemplative et poétique, caractéristique de son art, qui excelle à traduire les effets changeants de la lumière et la quiétude des paysages marins. La touche est fine, mesurée, et la palette délicate renforce le sentiment de calme et d’harmonie entre l’homme, la mer et le ciel.
Dans la deuxième ell démontre ici une maîtrise remarquable du mouvement de l’eau et des effets atmosphériques. Les tonalités froides – bleus profonds, verts sombres et gris nuageux – sont rehaussées par des touches lumineuses dans l’écume et les reflets, donnant vie à la scène. Cette œuvre témoigne de l’intérêt constant de l’artiste pour la mer, tantôt paisible, tantôt redoutable, toujours majestueuse.
]]>Au fil du temps, son style évolue vers une peinture plus libre, influencée par J. M. W. Turner : paysages lumineux, effets atmosphériques, bords de mer et scènes de rivière réalisées lors de ses voyages en Angleterre, au Pays de Galles et aux Pays-Bas.
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