Très vite les grands Salons et collectionneurs parisiens lui ouvrent leurs portes Salon des Artistes français entre 1911 et 1935,

Amis de Cézanne et touché par les préceptes impressionnistes, il aime peindre la lumière changeant des bords de mer comme le nôtre.

Amoureux de sa Provence, il finit par s’installer à Martigues et crée la Société des amis d’art d’Aix-en-Provence.

La Ciotat

Au delà de l'anecdote ou du pittoresque des vues descriptives et classiques, que représente la première partie de sa carrière, c'est surtout l'atmosphère qui retient son attention.

L'eau joue un rôle essentiel dans ses compositions. Elle lui permet de démultiplier les couleurs, de fragmenter les formes et de traduire les vibrations lumineuses du paysage méditerranéen.

Sa palette, souvent lumineuse, privilégie les harmonies de bleus, de verts, d'ocres et de tons chauds caractéristiques des paysages provençaux.

La touche se fait plus apparente, plus spontanée, et la matière picturale prend une importance croissante.

Après 1920, son travail connaît une évolution technique notable : Ducros utilise davantage le couteau et la spatule, qui lui permettent d'appliquer la peinture en touches larges et vigoureuses.

En 1948, avec ses amis Jean Fusaro, Jacques Truphémus, Pierre Coquet, Philibert-Charrin et d'autres artistes lyonnais, il participe à une exposition collective organisée dans la chapelle du lycée Ampère à Lyon.

Cette manifestation marque la naissance du mouvement des Sanzistes.

Ces jeunes Lyonnais refusent « le modernisme académique ». Bien que leurs styles soient différents, ils font part de la même volonté : renouveler la figuration sans renoncer au plaisir et à une autre expérimentation de la matière.

En 1949, il obtient une bourse au concours du Prix national de peinture.

En 1950, il est récompensé à la Biennale de Menton.

Puis, en 1953, il reçoit le prestigieux Prix Fénéon, destiné à encourager de jeunes artistes et écrivains.

La rencontre d'André Cottavoz avec le marchand et collectionneur japonais Kiyoshi Taménaga, en 1957, constitue une étape majeure de sa carrière.

Taménaga développe progressivement la diffusion de son œuvre, notamment au Japon.

Simone

Si Cottavoz est connu pour ses paysages du Sud aux couleurs fréquemment crayeuses, parfois pastel, le portrait occupe une place significative dans son œuvre.

Le visage humain devient pour lui un terrain d'expérimentation : les yeux, la bouche et les contours du visage ne sont pas systématiquement définis par le dessin, mais construits par des masses colorées.

Simone est la première épouse du peintre.

Il fait sa rencontre à son retour de la guerre. Elle l’accueille dans sa maison de la banlieue lyonnaise de Sainte-Foy-lès-Lyon et lui permet de disposer d’un atelier.

En peinture, le cœur de l’œuvre de Synave est la représentation féminine à la Belle Époque.

Qu’elle soit attablée au bar, marchant dans la rue ou nue, le peintre porte autant son intérêt sur la personnalité du modèle que sur la manière dont elle occupe l’espace. La touche est vive et large, les contours des lignes sont perceptibles, donnant à ses scènes une véritable vie intérieure.

En 1920, l’artiste se rapproche d’un cercle de peintres, « Tradition-Évolution », désireux de concilier héritage figuratif et recherches plastiques contemporaines. On y trouve notamment Gabriel Domergue, le créateur de la « pin-up » moderne.

L’Élégance parisienne

Tancrède Synave aime autant la femme que l’époque dans laquelle elle évolue.

Notre tableau en est une parfaite synthèse.

Au premier plan, une élégante Parisienne, vêtue d’une longue robe noire et coiffée d’un imposant chapeau à plumes, est accompagnée d’une petite fille et d’un chien au pas vif.

Son allure raffinée, ses gants blancs et les détails de sa toilette témoignent du goût de cette époque pour la sophistication vestimentaire.

En arrière-plan, une rue en pleine ébullition. De droite à gauche, des passantes traversent la route, ainsi qu’une marchande de fleurs. En arrière-plan, un bus jaune attire le regard du spectateur.

La touche devient alors plus libre, presque impressionniste. Les formes se dissolvent, les contours s’estompent et les couleurs se mêlent.

Le cadrage, qui coupe certaines silhouettes sur les bords et laisse une large place à l’animation de la rue, renforce l’impression d’un instant pris sur le vif. Le petit chien noir, saisi en plein mouvement, accentue encore cette spontanéité.

La peinture dépasse ainsi le simple portrait mondain pour devenir un véritable témoignage de la Belle Époque, de ses modes, de son animation et de son art de vivre.

Cette approche romantique puis proche de la sensibilité impressionniste, va lui ouvrir les voies du succès.

1881 : Mention honorable
1884 : Médaille de troisième classe
1889 : Médaille d’argent à l’Exposition universelle de Paris
1890 : Médaille de deuxième classe

Il participe aussi à la décoration du Capitole de Toulouse.

Il réalise notamment deux grandes vues de Toulouse, placées de part et d’autre d’une porte de la salle du conseil municipal.

Le Crépuscule

Notre tableau porte au dos deux étiquettes, notamment celle indiquant le numéro d’exposition 1949.

Cette œuvre fut donc exposée au Salon en 1895.

Cette période de transition lumineuse qui suit le coucher du soleil, où les derniers rayons transpercent les nuages pour honorer la terre de lumière, est un fil conducteur chez Yarz. Cette prédilection est attestée par plusieurs œuvres intitulées Crépuscule, notamment celle acquise par l’État en 1893, aujourd’hui conservée au musée d’Orsay, la nôtre et d’autres tableaux plus tardifs portent le même titre.

Ici, une bergère vêtue d’une pèlerine rouge se réchauffe près d’un feu, tandis que ses moutons paissent dans un paysage vallonné, protégé par une grande diagonale d’arbres filtrant les derniers rayons du jour.

Ces grands arbres surplombant l’espace structurent le paysage.

Toute la subtilité de l’œuvre se trouve là, dans ces rayons de soleil chauds qui filtrent au travers des tonalités froides des arbres.

Cette composition témoigne de la manière dont Yarz utilise parfois la figure humaine pour renforcer le caractère poétique du paysage, sans en faire le sujet principal.

Enveloppée dans son manteau rouge, une couleur de choix attirant l’œil du spectateur, elle apporte de la poésie et une note symboliste à la scène. En effet, l’amateur d’art peut y voir un rappel au Petit Chaperon rouge ou aux sorcières, ajoutant à ce paysage une connotation mystique.

Cette présence, à la fois forte et discrète, se fond pourtant parfaitement dans ce silence de fin de journée.

En 1873, c’est avec La Leçon d’anatomie qu’il attire le regard des critiques et des collectionneurs : un sujet contemporain, dépourvu d’idéalisation. Une composition rigoureuse, mais une touche libérée des contraintes académiques.

À partir de ce moment, le jeune artiste cherche à rendre compte d’une atmosphère.

Malgré la maladie et la perte d’un œil, Favretto peint sans relâche et participe à l’Exposition universelle de Paris en 1878.

En 1880, il présente une œuvre politique qui dénonce les restaurations abusives pratiquées sur les anciennes peintures des grands maîtres. Vandalismo ! Poveri antichi remporte le prix Principe Umberto.

À partir de là, l’artiste va se consacrer à représenter la vie vénitienne, apportant à ses peintures une gamme chromatique intense, peu égalée par ses contemporains. Ses personnages, traités dans toute leur spontanéité, n’en révèlent pas moins une étude approfondie.

En renouvelant la manière de représenter les sujets, Favretto va ainsi, jusqu’à sa mort prématurée à 37 ans, attirer l’œil de tous les grands collectionneurs italiens.

En 1899, la Biennale de Venise lui consacre une rétrospective, témoignant de l’importance de son héritage pour les peintres de la génération suivante.

Son œuvre fait également l’objet d’une grande exposition rétrospective, Giacomo Favretto (1849–1887). Venezia, fascino e seduzione, présentée à Rome puis au musée Correr de Venise en 2010–2011.

La Souris

En 1878, Favretto présente La Souris, aujourd’hui conservée à la Pinacothèque de Brera, à Milan.

L’œuvre surprend à plus d’un titre le spectateur de l’époque. D’abord par sa taille, très grande, 59 × 90 cm, dimensions habituellement réservées aux représentations historiques, alors qu’ici, Favretto représente, de manière tragico-burlesque, la peur d’une souris.

Notre tableau est une de ses études abouties.

Dans la version originale, trois femmes montées sur des chaises, terrifiées, indiquent à un jeune garçon agenouillé l’endroit où se trouve l’animal.

Dans notre version, plus petite et plus esquissée, seuls se trouvent la jeune femme de dos à la robe verte et le jeune homme.

La justesse des réactions et la vivacité des couleurs ont contribué au succès du peintre.

En 1911, il accompagne son ami, le peintre Alfred Bastien, au Congo, dans le cadre d’une mission organisée par le ministère des Colonies, et parcourt le pays.

En 1913 est présentée à l’Exposition universelle de Gand une grande fresque de 115 mètres de long et de 14 mètres de haut, où Paul Mathieu déploie ses talents de paysagiste.

Puis la Première Guerre mondiale est déclarée, et le peintre fuit la Belgique pour la France.

Son voyage à Paris, en Île-de-France, sur les pas des impressionnistes, puis dans le Sud, renouvelle sa vision du paysage et de la lumière.

Sa palette s’illumine, sa touche se libère. Ses œuvres deviennent plus contrastées, plus réfléchies dans leur composition et, paradoxalement, plus spontanées.

Les critiques constatent plus d’audace et les comparaisons avec Renoir et Sisley sont mises en évidence lorsqu’il présente une exposition personnelle d’une quarantaine de tableaux à la galerie Georges Petit en 1922.

Notre tableau est très caractéristique de cette période.

Le peintre organise le paysage autour d’une ligne horizontale centrale. La ligne de la berge partage presque exactement la toile en deux parties, créant un fascinant jeu de miroir entre l’architecture et la rivière. Une symétrie subtile. Peu de ciel et beaucoup d’eau.

Cette apparente rigueur géométrique contraste avec la spontanéité de la touche.

Les maisons sont construites par de larges touches de couleurs juxtaposées, tandis que leurs reflets se décomposent en une multitude de petites touches.

La lumière ne vient plus seulement éclairer les formes. Elle semble les traverser et parfois les dissoudre.

Cette évolution rapproche Mathieu du postimpressionnisme et du luminisme belge.

Toutefois, contrairement aux peintres qui s’engagent dans une décomposition radicale des formes, il conserve une composition lisible et un attachement constant au motif naturel.

Sur les hauteurs d’Alger, dans le quartier d’Hydra, se dressent deux remarquables demeures historiques.

Le château d’Hydra, également appelé Bordj d’Hydra, fut édifié dans la seconde moitié du XVIIIe siècle par Ali Agha, un général turc commandant la cavalerie du dey d’Alger. D’architecture hispano-mauresque, cette imposante demeure s’élève au cœur d’un vaste parc arboré.

Non loin de là, le château Shekiken, somptueux palais mauresque datant de 1742, témoigne de l’architecture ottomane et est entouré d’un magnifique jardin abritant une végétation centenaire.

Notre tableau représente l’un de ces deux jardins à Alger, un motif récurrent dans l’œuvre de William Adolphe Lambrecht.

Avec un cadrage très serré, presque photographique, l’artiste attire l’attention du spectateur sur les lavoirs et les reflets luxuriants de la nature dans l’eau qui s’en écoule.

Encadrée par des arbres en fleurs et les arcades du palais, qui rythment la composition tant par leur forme que par les jeux d’ombre et de lumière, l’œuvre offre au spectateur l’intimité d’un jardin oriental.

À la rigueur de la construction s’opposent la spontanéité de la touche, la richesse de la matière et de subtils et enchanteurs jeux de lumière.