Cette importante vue du Vieux-Port de Marseille illustre parfaitement la liberté picturale d'Augustin Carrera.

À la croisée du postimpressionnisme et des audaces chromatiques du fauvisme, l'artiste transforme le spectacle quotidien du port en une véritable orchestration de couleurs.

La composition frappe tout d'abord par son point de vue plongeant, particulièrement moderne.

Carrera domine la scène et entraîne le regard depuis les eaux du port, à gauche, jusqu'aux quais animés qui s'enfoncent dans la profondeur.

Cette diagonale puissante donne à la composition son rythme et permet au peintre de multiplier les petites scènes : promeneurs, travailleurs, embarcations et silhouettes ponctuent le quai et donnent au tableau une remarquable impression de vie.

Il ne cherche pas à donner une description topographique et immobile du Vieux-Port. Il en restitue plutôt le rythme, l'effervescence et la lumière.

À partir des années 20, il construit progressivement ce qui deviendra sa signature, de longues silhouettes élancées, au long cou, aux grands yeux, aux cils immenses, à l'élégance sophistiquée.
On retrouve ses femmes aux théâtres, à l'opéra, aux champs de courses.
Domergue devient le peintre de la Parisienne chic, il entame une collaboration publicitaire avec les Galeries Lafayette.

Dans les années 1950, il devient le conservateur du Musée Jacquemart-André.

Notre projet est conçu pour le livre de Frédéric BOUTET publié en 1914, c'est un recueil de nouvelles décrit comme mêlant le  sinistre , la farce, le poignant, le comique et l'attendrissant.
Domergue a proposé plusieurs idées car le titre ne fut pas choisi tout de suite, on en retrouve une nommée « Les Contes d'en bas », où le titre est écrit en noir.

Le titre peint en rouge, en référence au titre du livre, illumine la toile, peinte dans des tons sombres. Il illumine légèrement les personnages au premier plan, renvoyant à la vie d'une petite rue populaire de Paris.

Domergue révèle ici un talent d'illustrateur et une étonnante liberté de touche, à la frontière entre peinture, affiche et illustration éditoriale.

Dans cette lumineuse vue des bords de Seine avec en fond l’ancien palais du Trocadéro Charles-Albert Gueldry révèle toute sa sensibilité à la lumière et aux reflets de l'eau.

Le peintre choisit un sujet volontairement quotidien : péniches, remorqueur, charrette, chevaux…animent les berges tandis que, dans le lointain, la ville se dissout presque entièrement dans l'atmosphère.

La composition repose sur une succession de plans horizontaux qui conduisent naturellement le regard vers l'horizon

Gueldry travaille dans une gamme particulièrement délicate de bleus, mauves,, blaancs…. Les architectures du fond sont à peine esquissées, comme absorbées par une brume lumineuse. Le ciel, l'eau et la ville semblent progressivement se confondre.

La touche demeure parfaitement visible.
Courte, vive et fragmentée, elle fait vibrer la surface de l'eau et anime le ciel.

Cette recherche autour de la division de la touche et de la couleur évoque naturellement les paysages fluviaux et les aquarelles de Paul Signac.

Au cours de sa vie, Paul Mathey reçoit de nombreuses distinctions : il obtient
la médaille de 3ᵉ classe au Salon de Paris en 1876
, la médaille de 2ᵉ classe en 1885
puis la médaille d’or à l’Exposition universelle de Paris en 1889.

La même année, il est nommé Chevalier de la Légion d’honneur, reconnaissance majeure de son talent et de sa contribution à l’art français.

Mathey se distingue surtout comme portraitiste, peignant des artistes, compositeurs, personnalités parisiennes et membres de sa famille, tout en réalisant également des paysages, marines et scènes de genre.
Son style allie sobriété et précision, respectant les codes académiques tout en conservant une touche personnelle, proche du réalisme fin XIXᵉ
Il se consacre également à la gravure à l’eau‑forte, produisant des œuvres détaillées et raffinées.

L'artiste ici, nous offre un dimanche après midi à  la Belle Époque, avec un regard malicieux et presque caricatural sur ses contemporains.

Les personnages sont dispersés avec une grande liberté dans la composition, comme saisis sur le vif :

on y voit un homme, manifestement assoupi après avoir trop bu,  tandis que son voisin a enlace avec insistance sa compagne et qu'un troisième semble se réfugier derrière son journal,tout en regardant.

Le peintre dépeint les nouveaux loisirs, les jardins publics : avec cette grande tête grimaçante, dans lequel la balle doit atterir dans la bouche, une attraction, autour de laquelle se regroupent les enfants.

En multipliant ces petites saynètes pleines d’humour, Royet dépasse la simple scène de parc.

La modernité de la composition et le cadrage spontané donnent au tableau l’allure d’un instantané de la vie moderne, à la fois tendre, drôle et légèrement satirique.

Si René Chrétien peint également des paysages, des portraits et quelques scènes de genre, il est surtout reconnu comme l'un des meilleurs spécialistes français de la nature morte.

Son œuvre se distingue par une observation minutieuse des objets, une matière généreuse et une lumière chaude qui sublime les matières : cuivre, faïence, verre, fruits, gibiers ou fromages.
Il affectionne les harmonies de bruns, d'ocre et de doré, donnant à ses compositions une atmosphère chaleureuse et authentique

Mais Detroy aime voyager.
Dès les années 1890, il part à la découverte du sud de la France, puis de l’Italie, de la Sicile et de l’Afrique du Nord.
Si l’œuvre de Detroy reste très rattachée à la Creuse,
le Sud — et notamment la baie d’Agay — est une étape charnière dans son tournant vers la modernité.
Les années 1885-1890 sont un tournant pour Detroy : « dans un environnement international en plein bouleversement, il s’interroge sur la voie à suivre ».

Il s’inspire de la photographie pour ses cadrages, puis, avec ses paysages, il explore une touche fragmentée et des couleurs vives.
La couleur devient une révélation et s’impose comme un élément constitutif de son art. C’est d’abord par la couleur que Detroy aborde la modernité.

À partir des années 1890, Detroy est fasciné par le Sud, dont la lumière singulière révèle une nature encore plus vibrante et changeante.
Au printemps 1892, il s’arrête à Agay, près de Saint-Raphaël, sur la côte varoise.
L’étonnante couleur rouge des rochers attire l’œil du peintre.
Il y retournera de nombreuses fois. Les œuvres de Detroy deviennent alors encore plus intensément colorées.

Dans les années 1900, lors des premières expositions de Detroy, les critiques révèlent une ascendance impressionniste, mais aussi la volonté de s’en démarquer.
Des couleurs intenses, une touche vive et, surtout, l’émotion sincère que l’artiste cherche à retranscrire dans sa toile.

Dans ces années-là, Detroy, sans atelier, travaille uniquement sur le
motif, et sa touche — celle de notre tableau — s’affirme.

C’est avec la lumière du Midi qu’elle se rapproche le plus des concepts néo-impressionnistes, « en devenant divisée sans toutefois atteindre la régularité d’un Signac ou d’un Edmond Cross ».
C’est ce qui fait la particularité du peintre.
Sa touche est tantôt faite de longs coups de pinceau parallèles,
ou brève et nerveuse, comme des virgules.

Eugène Thirion (1839-1910)
est un peintre français de l'école académique, né et mort à Paris. Élève de François-Édouard Picot, d'Alexandre Cabanel et d'Eugène Fromentin/
Il expose régulièrement au Salon à partir de 1861.
En 1864, il obtient le deuxième Grand Prix de Rome, distinction qui lance sa carrière.

Spécialiste de la peinture d'histoire, des sujets religieux, mythologiques et allégoriques,
Thirion reçoit de nombreuses commandes officielles sous le Second Empire puis la Troisième République.
Il participe notamment aux grands décors de l'Opéra Garnier, de l'Hôtel de Ville de Paris et de plusieurs édifices publics, affirmant sa réputation de décorateur monumental.

La Jeanne d'Arc écoutant les voix (1876) est sans doute son œuvre la plus célèbre.
Thirion ne cherche pas à idéaliser son héroïne ; il la représente comme une jeune paysanne saisie par une expérience mystique

Peinte quelques années après la défaite de 1870, cette représentation prend également une dimension patriotique. Jeanne d'Arc devient le symbole du relèvement national, tout en conservant sa dimension religieuse.

Aujourd'hui, cette monumentale huile sur toile (225 × 163 cm) est conservée dans l'église Notre-Dame de Chatou, tandis qu'une autre version est conservée au musée des Beaux-Arts de Rouen.