Parallèlement à sa carrière de peintre, Carrier-Belleuse joue un rôle majeur dans les arts décoratifs.
Après avoir collaboré à la Manufacture de Sèvres, il devient en 1889 directeur artistique de la Faïencerie de Choisy-le-Roi, où il renouvelle les modèles céramiques par une esthétique raffinée inspirée de la nature et des arts de son temps.
Il réalise également plusieurs commandes monumentales, notamment le Monument national du Costa Rica et le tombeau du président José María Reina Barrios au Guatemala.

Ici,loin des compositions théâtrales ou des épisodes héroïques, l'artiste choisit de représenter un jeune musicien dans un moment de repos et de contemplation.
Allongé nonchalamment sur un coffre, un livre enluminé ouvert devant lui, le personnage semble absorbé dans ses pensées, offrant une scène silencieuse et profondément humaine.

Le cadrage rapproché renforce cette impression de proximité. Le spectateur partage l'espace du troubadour, dont la pose décontractée rompt avec les attitudes solennelles habituellement qu'il a pu aborder dans d'autres peintures sur ce sujet.

À l'arrière-plan, une importante collection de céramiques et de faïences attire le regard.
Leur présence n'est sans doute pas anodine : éminent céramiste et directeur artistique de la faïencerie de Choisy-le-Roi.
Ces objets, peints avec autant de soin que le personnage, témoignent de son goût pour les arts décoratifs et de son intérêt pour les jeux de matières, d'émaux et de reflets.

Il intègre en 1861 la prestigieuse Académie de San Luca, où il suit l'enseignement de Francesco Podesti et Dario Querci.

Mais Simoni s'intéresse rapidement aux évolutions de la peinture moderne et admire particulièrement l'œuvre de Mariano Fortuny, dont la touche lumineuse, la virtuosité technique et le goût pour les sujets orientalistes exerceront une influence décisive sur son art.

En 1875, il compte parmi les membres fondateurs de l'Association des Aquarellistes Romains, expose régulièrement et y expose régulièrement.

À partir de 1877, Gustavo Simoni entreprend une série de voyages qui vont transformer durablement son œuvre.
Il parcourt la France, l'Espagne, puis surtout l'Afrique du Nord, séjournant longuement en Algérie, en Tunisie et au Maroc.
C'est en Algérie qu'il trouve son véritable terrain d'inspiration. Il s'installe pendant plusieurs années dans la vieille ville de Tlemcen

Il participe aux Salons de Paris, où il expose puis son immense composition Alexandre à Persépolis en 1889 qui lui vaut une médaille d'or au Salon de Paris,

Dans cette aquarelle, Gustavo Simoni allie une précision remarquable du dessin à une grande liberté d'exécution

Le drapé bleu, traité par de subtils lavis transparents, restitue avec une étonnante légèreté les plis et la lumière.

L'ombre portée, véritable élément graphique, renforce la modernité de la composition, où la sobriété du décor met en valeur toute la force expressive de la figure.

L'essentiel de son œuvre est consacré au paysage, en particulier aux rives de la Seine, de la Marne et aux campagnes des environs de Paris.

Installé à Asnières-sur-Seine, il trouve dans les fleuves, les canaux, les péniches, les chemins de halage et les sous-bois une source d'inspiration inépuisable.

L'eau devient le fil conducteur de son travail : elle reflète les ciels changeants, diffuse les brumes matinales et amplifie les jeux de lumière qui caractérisent sa peinture.

Ses toiles d'automne se parent d'ocres et de reflets dorés, tandis que l'hiver devient son domaine de prédilection.
Les critiques le surnomment rapidement le « peintre de l'hiver », tant il excelle à traduire la neige, les givrements, les rivières gelées et les brouillards lumineux, comme notre oeuvre.

On retrouve ses tableaux dans de nombreux musées, notamment à Orsay et au Petit-Palais à Paris.

Dès le Salon de 1802, on commence à avoir des peintures dites troubadours, celles-ci sont tout d’abord qualifiées de «genre anecdotique», c’est-à-dire à mi-chemin entre la peinture d’histoire et la scène de genre.

Le terme de «troubadour» a été utilisé dès la fin du 19e siècle pour qualifier des œuvres  qui illustrent un Moyen Âge souvent fantasmé et loin de la réalité historique.
Par extension, ce terme fut appliqué à toutes les productions artistiques qui prennent des formes ou des thèmes médiévaux.

Faivre ne cherche pas uniquement l'exactitude archéologique ; il recrée un univers idéalisé où règnent la musique, la solitude et la rêverie. Son dessin précis, hérité de sa formation académique, s'accompagne d'une remarquable maîtrise des effets de lumière.

Cette scène intimiste, empreinte de poésie, témoigne du goût de la fin du XIXᵉ siècle pour les sujets médiévaux et de la capacité de Faivre à leur insuffler une atmosphère profondément sensible.

Cette composition représente une jeune femme en prière, agenouillée devant un berceau dont on aperçoit à peine les draps blancs au premier plan. La tête inclinée, les mains jointes et les yeux baissés traduisent un profond recueillement.

Rien ne vient troubler ce moment d'intimité silencieuse, où la maternité se mêle à la dévotion.

Le regard est immédiatement attiré par le grand voile bleu qui enveloppe la figure.
Décliné dans une infinité de nuances ( du cobalt profond aux bleus argentés) il devient le véritable sujet du pastel.

Artigue exploite magistralement les possibilités de cette technique, multipliant les hachures et les superpositions donnant une véritable intensité

Portraitiste accomplie, peintre de figures, aquarelliste, graveuse et illustratrice, Maximilienne Guyon développe une œuvre profondément attachée à la représentation de l'enfance, de la vie quotidienne et des émotions humaines.

Son dessin précis, hérité de sa formation académique, s'allie à une sensibilité naturaliste où la lumière, les expressions et la psychologie des modèles occupent une place essentielle.

Elle illustre également des ouvrages de Honoré de Balzac et d'André Theuriet, tout en enseignant la peinture.

Disparue prématurément à seulement trente-cinq ans, en 1903, Maximilienne Guyon laisse une œuvre relativement rare.

Son œuvre témoigne d'une remarquable diversité. Maximilienne Guyon partage son activité entre les portraits de la bonne société parisienne, où elle révèle une grande finesse psychologique,
et des figures féminines plus intimes, représentant de jeunes femmes à la beauté élégante, parfois lascive et sensuelle.

Sans jamais tomber dans la provocation, elle sait conjuguer le raffinement académique à une sensualité discrète, caractéristique du goût de la Belle Époque.

Cette dualité, entre portrait mondain et idéal féminin, constitue l'une des signatures de son œuvre.

Dans cette émouvante composition, Maximilienne Guyon met en scène une jeune fille portant dans ses bras un enfant, probablement sa fille.
Les deux figures occupent presque toute la surface de la toile, établissant une proximité immédiate avec le spectateur. Le regard grave de l'aînée, dirigé droit vers nous, constitue le véritable centre émotionnel de l'œuvre.

Le paysage qui s'étend derrière elles, probablement une rive de Seine ou de Marne, est traité avec une grande finesse atmosphérique.
Les arbres encore clairsemés, les maisons qui se fondent dans une légère brume et les reflets paisibles de l'eau installent un décor calme et lumineux, sans détourner l'attention des personnages.

Au-delà de ses qualités techniques, cette toile témoigne de l'intérêt constant de Maximilienne Guyon pour les scènes de la vie populaire et pour l'enfance.

Par la justesse psychologique de ses personnages et la sobriété de sa mise en scène, cette œuvre s'inscrit dans la grande tradition des portraits réalistes de la fin du 19e siècle, tout en révélant la sensibilité profondément personnelle de l'artiste.

Son style est réaliste et détaillé, capturant la vie quotidienne et l’architecture orientale avec une touche académique.

Aujourd’hui, ses œuvres continuent d’être vendues aux enchères et témoignent de l’engouement victorien pour l’Orient exotique.

Au début du siècle, il est nommé Professeur de la Classe du modèle vivant à l'Ecole des Beaux-Arts de Lyon, Conseiller du Bureau de la Société des Artistes Lyonnais, décide de partir à la conquête du public parisien.

Les spectateurs sont séduits par sa virtuosité habituelle" ses qualités de fin coloriste, il réalise de petites "Scènes d'Intérieurs" "véritables bijoux" ( poétiques- dans le sillage desquelles l'on se doit de placer sa production picturale des années 1920-19